Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento
Las artes plásticas
La pintura
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Autorretrato atribuido a Giorgione
del museo Herzog Anton Ulrich
de Brunswick (Alemania).
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De Giorgione, iniciador de la pintura veneciana del
Cinquecento, es un artista del que se sabe muy poco, y al que, con certeza
absoluta, únicamente le han podido ser atribuidas cinco obras. Se dice que en el
mundo de la pintura fue en cierto modo un revolucionario, al conseguir
extraordinarios resultados utilizando sabiamente los esquemas de color para
armonizar sus cuadros. Su pintura es especialmente enigmática, aun a sabiendas de que la interpretación iconográfica es de una
importante subjetividad. Igualmente la misma está revestida de una constante
valoración del paisaje, estos aparecen bañados por una luz dorada, poética y
ensoñadora.
De su escasa obra destaca, “La tempestad”, que se
halla en la Academia de Venecia, al estar considerada como una de las
obras de arte más maravillosa. El cuadro, probablemente siendo un fin
perseguido por su autor, encierra un halo de misterio, ya que la
representación que en ella se hace, aun al día de hoy, se presta a muchas y
diferentes interpretaciones. Observándolo, cabe preguntarse, si lo escenificado
sólo se trata de una alegoría de la oposición del hombre y la mujer y de sus
mundos respectivos.
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Otras pinturas, que al menos hay que reseñar, de Giorgione, son: “Virgen entronizada”, “Los tres filósofos”, “Concierto Campestre”, y “Venus dormida”, cuadro éste que, por su supuesta similitud, ha sido
frecuentemente comparado con la “Venus de Urbino”, de Tiziano. Las
referidas obras se encuentran, respectivamente, en la Iglesia de San
Liberal, Castelfranco Véneto, Kunshistorisches Museum, Viena, “Museo
del Louvre”, París, y la Gemäldegalerie, Dresde.
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| Venus dormida. Giorgione. Wikpedia. |
Llegando a lograr una fama que casi igualó a la de Miguel
Ángel, Tiziano, de quien se dice que cuando murió de la peste contaba con
noventa y nueve años, su pintura comenzó cuando ésta empezó a ser algo más que
dibujo y color, entendiéndose, como un arte con sus leyes ocultas y sus
recursos propios. De esta forma la naturaleza, la tierra, los árboles, la luz,
el aire, las nubes y los seres humanos con sus puentes y ciudades, se empezaron
a considerar como un conjunto.
Tiziano tuvo una gran producción y siempre de alto nivel,
recibiendo encargos, entre otros, de Carlos V, Felipe II, y de diferentes reyes
de Francia. En su pintura abunda la temática religiosa lo mismo que la de
carácter mitológico y profano. A toda su obra la impregna de un interesante y
atractivo significado narrativo. Entre 1516 y 1530, cuando el clasicismo
alcanza su punto más alto, pintó grandes retablos para iglesias y escuelas, en
los que aparecen especialmente humanizados los personajes religiosos. En lo que
concierne a la pintura mitológica se complace en la belleza del desnudo con un
enfoque realista representando a hombres y mujeres de carne y hueso.
En su condición también de gran retratista, los retratos
que hace son, en su mayoría, de bustos de tres cuartos prolongado, dotando a
los personajes de gran profundidad psicológica, en los que igualmente aparecen
aspectos que identifican la condición social de los mismos. En estas obras
existen representaciones de bustos erguidos, retratos ecuestres, y de carácter
votivo.
Prueba de lo anteriormente señalado y de su permanente
ánimo innovador, algo que no dejó de impactar en sus contemporáneos, es el
retablo que se encuentra en la iglesia de Santa María dei Frari, de
Venecia, “Madona con santos y miembros de la familia Pesaro”, en el que
llama la atención que la Virgen
se halle fuera del centro del cuadro. La mayor fama, que en un momento
determinado, se estribó en la realización de retratos, la acredita con el óleo
titulado “El joven inglés”, que puede verse en el Palacio Pitti de Florencia. Esta obra sin tener comparación alguna con el minucioso modelado
de “Mona Lisa”, de Leonardo, el joven que en ella aparece, tiene no
obstante, la misma misteriosa sensación de vida que aquella.
Como ilustración de su extensa obra, y por hallarse en el Museo
del Prado, cabe señalarse el lienzo titulado, “El Emperador CarlosV, a caballo, tras la batalla de Mühlberg”. En esta pintura al no mostrarse
el desarrollo de la batalla ni ningún accesorio alegórico a ella, solamente la
armadura y la lanza pregonan el papel que en ese momento desempeña el
emperador, como hombre de guerra, Tiziano, inteligentemente evidencia y
simboliza el acontecimiento, con el rojo sangre que tiñe el cielo, alumbrado
este, de manera grandiosa y dramática, por un sol todavía intenso en el ocaso
después de la batalla.
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Autorretrato.
wikipedia |
Tintoretto, maestro del manierismo, considerando que la
pintura que en su época identificaba a la Escuela Veneciana,
estaba en exceso, repleta de una sencilla belleza de formas y colores, cuyos
cuadros tendían a ser más agradables que emotivos, caso del anteriormente
citado Tiziano, quiso mostrar las cosas a una nueva luz, explorando otros modos
para representar los mitos y leyendas del pasado. Entendió que un acabado unido
y esmerado, no contribuía a los fines que el perseguía, pues tal cosa podía
distraer la atención del dramático acontecimiento que sucedía en el cuadro. De
esta forma, abundando en esta idea, acostumbró a que en sus obras se pudiera
contrastar esa falta de acabado unido y esmerado, anteriormente apuntado, algo
que motivó el asombro de la gente que las contemplaba.
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| Hallazgo del cuerpo de San Marcos |
Examinando su obra, al ver “El hallazgo de los restos
de San Marcos”, en la Pinacoteca de Brera, en Milán, se puede
observar lo insólito de sus cuadros y el porqué de que cautivasen, a pesar de
su carácter heterodoxo y excéntrico. La distribución de las figuras es un tanto
confusa y desconcertante, y los contrastes de luz y sombra son intensos,
originando complicadas sensaciones de proximidad y lejanía, a lo que se une de
manera clara, una falta de equilibrio en movimiento y ademanes. En el cuadro
de, “San Jorge y el dragón”, que se encuentra en la National
Gallery, de Londres, abundando en lo anteriormente expuesto, se aprecia
que mientras la princesa parece desear salirse de él, el héroe contra todas las
reglas, aparece al fondo de la trágica escena.
De este autor existe una obra, La liberación de
Arsinoe, que puede contemplarse en la Gemäldegalerie, de Dresde,
que corrobora parte de lo anteriormente expuesto. En este caso, lo concerniente
a la vida que cobran los espacios de la mayoría de sus pinturas por la tensión
que genera la deformación expresiva. En ella, lo excéntrico, sobre todo lo
atrevido, dispuesto sobre la diagonal que va del ángulo inferior izquierdo
hasta el superior derecho, domina la composición, obteniendo así el objetivo
que persigue, cargar de tensión la escena representada.
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Autorretrato.
wikipedia |
La obra y la pintura de Veronese, es la expresión de una
sociedad embriagada por la abundancia terrenal y el esplendor festivo como era
la del Renacimiento Tardío. Resultó ser el profeta de la pintura del Barroco y
del Rococó. Consiguió marcar con su
estilo, la pauta a seguir durante el siglo siguiente llegando su influencia
hasta los tiempos de Tiépolo, último pintor de la era barroca y una de las
figuras más destacadas del rococó italiano. En contraposición a la siniestra
seriedad y a la tensión dramática de las oscuras tonalidades que imprimían a
sus obras los últimos maestros venecianos, él va tornando progresivamente más
claros los colores, y sus escorzos ilusionistas aparecen leves y carentes de
importancia trágica.
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| Las bodas de Canaá. Paolo Veronesse. Wikipedia. |
En el lienzo, “Las bodas de Canáa”, obra que se halla en París, en el Museo del Louvre,
se muestra, no solo como un maestro insuperable capaz de crear composiciones de
grandes dimensiones, sino como creador también de fantásticos festines
resplandecientes, además de evidenciar ser un retratista virtuoso. Sus obras, “Marte
y Venus”, y “Rapto de Europa”, que en la actualidad pueden verse, la
primera en el Metropolitan Museum of Art, de Nueva York, y la segunda,
en el Palazzo Ducale, de Venecia, reproduciendo escenas mitológicas,
huye de paisajes italianos reales y tiende a crear “vistas” a sus paisajes
ideales, lo que sería una invención que con frecuencia repercutiría en la
pintura de los siglos XVII y XVIII.
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| Marte y Venus unidos por Amor. wikpedia. |
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