Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento (XVIII). Las artes plasticas: La Pintura (IV)

Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento

Las artes plásticas

La pintura

Autorretrato atribuido a Giorgione
 del museo Herzog Anton Ulrich
de Brunswick (Alemania).
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De Giorgione, iniciador de la pintura veneciana del Cinquecento, es un artista del que se sabe muy poco, y al que, con certeza absoluta, únicamente le han podido ser atribuidas cinco obras. Se dice que en el mundo de la pintura fue en cierto modo un revolucionario, al conseguir extraordinarios resultados utilizando sabiamente los esquemas de color para armonizar sus cuadros. Su pintura es especialmente enigmática, aun a sabiendas de que la interpretación iconográfica es de una importante subjetividad. Igualmente la misma está revestida de una constante valoración del paisaje, estos aparecen bañados por una luz dorada, poética y ensoñadora.

De su escasa obra destaca, “La tempestad”, que se halla en la Academia de Venecia, al estar considerada como una de las obras de arte más maravillosa. El cuadro, probablemente siendo un fin perseguido por su autor, encierra un halo de misterio, ya que la representación que en ella se hace, aun al día de hoy, se presta a muchas y diferentes interpretaciones. Observándolo, cabe preguntarse, si lo escenificado sólo se trata de una alegoría de la oposición del hombre y la mujer y de sus mundos respectivos.

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Otras pinturas, que al menos  hay que reseñar, de Giorgione, son: “Virgen entronizada”, “Los tres filósofos”, “Concierto Campestre”, y “Venus dormida”, cuadro éste que, por su supuesta similitud, ha sido frecuentemente comparado con la “Venus de Urbino”, de Tiziano. Las referidas obras se encuentran, respectivamente, en la Iglesia de San Liberal, Castelfranco Véneto, Kunshistorisches Museum, Viena, “Museo del Louvre”, París, y la Gemäldegalerie, Dresde. 

Venus dormida. Giorgione. Wikpedia.

Detalle del Autorretrato de Tiziano,
pintado hacia1567
(Museo del Prado).

Llegando a lograr una fama que casi igualó a la de Miguel Ángel, Tiziano, de quien se dice que cuando murió de la peste contaba con noventa y nueve años, su pintura comenzó cuando ésta empezó a ser algo más que dibujo y color, entendiéndose, como un arte con sus leyes ocultas y sus recursos propios. De esta forma la naturaleza, la tierra, los árboles, la luz, el aire, las nubes y los seres humanos con sus puentes y ciudades, se empezaron a considerar como un conjunto.

Tiziano tuvo una gran producción y siempre de alto nivel, recibiendo encargos, entre otros, de Carlos V, Felipe II, y de diferentes reyes de Francia. En su pintura abunda la temática religiosa lo mismo que la de carácter mitológico y profano. A toda su obra la impregna de un interesante y atractivo significado narrativo. Entre 1516 y 1530, cuando el clasicismo alcanza su punto más alto, pintó grandes retablos para iglesias y escuelas, en los que aparecen especialmente humanizados los personajes religiosos. En lo que concierne a la pintura mitológica se complace en la belleza del desnudo con un enfoque realista representando a hombres y mujeres de carne y hueso.

En su condición también de gran retratista, los retratos que hace son, en su mayoría, de bustos de tres cuartos prolongado, dotando a los personajes de gran profundidad psicológica, en los que igualmente aparecen aspectos que identifican la condición social de los mismos. En estas obras existen representaciones de bustos erguidos, retratos ecuestres, y de carácter votivo.

Le llevó a Tiziano dos años (1516-18)
completar la Asunción de la Virgen de Santa María dei Frari,
cuya dinámica composición triangular
y viveza de colores lo convirtió
en el más clásico de los pintores fuera de Roma.

Prueba de lo anteriormente señalado y de su permanente ánimo innovador, algo que no dejó de impactar en sus contemporáneos, es el retablo que se encuentra en la iglesia de Santa María dei Frari, de Venecia, “Madona con santos y miembros de la familia Pesaro”, en el que llama la atención que la Virgen se halle fuera del centro del cuadro. La mayor fama, que en un momento determinado, se estribó en la realización de retratos, la acredita con el óleo titulado “El joven inglés”, que puede verse en el Palacio Pitti de Florencia. Esta obra sin tener comparación alguna con el minucioso modelado de “Mona Lisa”, de Leonardo, el joven que en ella aparece, tiene no obstante, la misma misteriosa sensación de vida que aquella.

Como ilustración de su extensa obra, y por hallarse en el Museo del Prado, cabe señalarse el lienzo titulado, “El Emperador CarlosV, a caballo, tras la batalla de Mühlberg”. En esta pintura al no mostrarse el desarrollo de la batalla ni ningún accesorio alegórico a ella, solamente la armadura y la lanza pregonan el papel que en ese momento desempeña el emperador, como hombre de guerra, Tiziano, inteligentemente evidencia y simboliza el acontecimiento, con el rojo sangre que tiñe el cielo, alumbrado este, de manera grandiosa y dramática, por un sol todavía intenso en el ocaso después de la batalla.

Carlos V a caballo en Mühlberg (1548), es el retrato iconográfico por excelencia. Representa al emperador como príncipe cristiano, vencedor del protestantismo y como símbolo de la hegemonía de los Austriasobre Europa (Museo del Prado). wikipedia

Autorretrato.
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Tintoretto, maestro del manierismo, considerando que la pintura que en su época identificaba a la Escuela Veneciana, estaba en exceso, repleta de una sencilla belleza de formas y colores, cuyos cuadros tendían a ser más agradables que emotivos, caso del anteriormente citado Tiziano, quiso mostrar las cosas a una nueva luz, explorando otros modos para representar los mitos y leyendas del pasado. Entendió que un acabado unido y esmerado, no contribuía a los fines que el perseguía, pues tal cosa podía distraer la atención del dramático acontecimiento que sucedía en el cuadro. De esta forma, abundando en esta idea, acostumbró a que en sus obras se pudiera contrastar esa falta de acabado unido y esmerado, anteriormente apuntado, algo que motivó el asombro de la gente que las contemplaba.

Hallazgo del cuerpo de San Marcos

San Jorge luchando con el dragón (San Giorgio e il drago)

Tintoretto, hacia 1550-1560

San Jorge luchando con el dragón
(San Giorgio e il drago)

Tintoretto, hacia 1550-1560

Examinando su obra, al ver “El hallazgo de los restos de San Marcos”, en la Pinacoteca de Brera, en Milán, se puede observar lo insólito de sus cuadros y el porqué de que cautivasen, a pesar de su carácter heterodoxo y excéntrico. La distribución de las figuras es un tanto confusa y desconcertante, y los contrastes de luz y sombra son intensos, originando complicadas sensaciones de proximidad y lejanía, a lo que se une de manera clara, una falta de equilibrio en movimiento y ademanes. En el cuadro de, “San Jorge y el dragón”, que se encuentra en la National Gallery, de Londres, abundando en lo anteriormente expuesto, se aprecia que mientras la princesa parece desear salirse de él, el héroe contra todas las reglas, aparece al fondo de la trágica escena.

De este autor existe una obra, La liberación de Arsinoe, que puede contemplarse en la Gemäldegalerie, de Dresde, que corrobora parte de lo anteriormente expuesto. En este caso, lo concerniente a la vida que cobran los espacios de la mayoría de sus pinturas por la tensión que genera la deformación expresiva. En ella, lo excéntrico, sobre todo lo atrevido, dispuesto sobre la diagonal que va del ángulo inferior izquierdo hasta el superior derecho, domina la composición, obteniendo así el objetivo que persigue, cargar de tensión la escena representada.

Autorretrato.
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La obra y la pintura de Veronese, es la expresión de una sociedad embriagada por la abundancia terrenal y el esplendor festivo como era la del Renacimiento Tardío. Resultó ser el profeta de la pintura del Barroco y del Rococó. Consiguió marcar con  su estilo, la pauta a seguir durante el siglo siguiente llegando su influencia hasta los tiempos de Tiépolo, último pintor de la era barroca y una de las figuras más destacadas del rococó italiano. En contraposición a la siniestra seriedad y a la tensión dramática de las oscuras tonalidades que imprimían a sus obras los últimos maestros venecianos, él va tornando progresivamente más claros los colores, y sus escorzos ilusionistas aparecen leves y carentes de importancia trágica.

Las bodas de Canaá. Paolo Veronesse. Wikipedia.

En el lienzo, “Las bodas de Canáa”, obra que se halla en París, en el Museo del Louvre, se muestra, no solo como un maestro insuperable capaz de crear composiciones de grandes dimensiones, sino como creador también de fantásticos festines resplandecientes, además de evidenciar ser un retratista virtuoso. Sus obras, “Marte y Venus”, y “Rapto de Europa”, que en la actualidad pueden verse, la primera en el Metropolitan Museum of Art, de Nueva York, y la segunda, en el Palazzo Ducale, de Venecia, reproduciendo escenas mitológicas, huye de paisajes italianos reales y tiende a crear “vistas” a sus paisajes ideales, lo que sería una invención que con frecuencia repercutiría en la pintura de los siglos XVII y XVIII. 

Marte y Venus unidos por Amor. wikpedia.