Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento (XXXVII). La Música (VII)

Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento

La Música

Retrato de Claudio Monteverdi Cremona, Italia
wikipedia

Claudio Monteverdi (1567-1643), compositor, gambista y cantante italiano, es el músico que marcó la transición entre la tradición polifónica y madrigalista del S. XVI y el nacimiento del drama lírico y de la ópera en el siguiente siglo. Este personaje que representa la figura más importante en la transición entre la música del Renacimiento y la del Barroco, inició sus estudios de música con el famoso maestro de capilla de la Catedral de Cremona, Marco Antonio Ingegnieri, publicando sus primeras obras a los quince años.

Monteverdi, aparte de componer abundante música religiosa, entre 1587 y 1638, publicó ocho colecciones de madrigales, en los que muestra el absoluto dominio de la técnica madrigalista, combinando las escrituras homofónica y contrapuntística, utilizando libremente armonías y disonancias. Su objetivo, igualmente, en estas composiciones era hacer que las palabras fueran las amantes de la armonía, y no las siervas, lo que significaba que el raciocinio y las reglas debían dejar paso a la expresividad verbal. Propuso también una autoridad clásica  para fundamentar su punto de vista, nada menos que la de Platón. Describió a la música que obedece a las reglas de la armonía como ejemplo de una “primera práctica”, señalando a la vez la existencia de una “segunda práctica”, en la que la melodía y la armonía debían ajustarse al texto.

Portada de L'Orfeo de Monteverdi; publicado en Venecia en 1609 por Ricciardo Amadino. wikpeida

En 1607, año en el que murió su esposa, se estrenó L’Orfeo(Orfeo, favola in música), su primer drama musical, considerado la primera y auténtica ópera de la historia, tal como la entendemos hoy día.  Esta obra es un maravilloso casamiento en sí mismo, del madrigal, las canciones para el baile y la nueva monodia expresiva, algo que el compositor parece haber estado probando por primera vez. También con ella se confirmó como una innovación más, la que se deriva de la nueva monodia: la posibilidad de que exista una obra musical de gran formato y peso específico fuera de la iglesia, pues la ópera propiciaba una forma de grandes dimensiones absolutamente secular, y a partir de este punto la música eclesiástica acabaría convirtiéndose en hija de la ópera, emulando sus solos y su construcción dramática.

El patetismo arrebatador que alcanzan algunos pasajes de la citada ópera compuesta por Monteverdi, arrancó las lágrimas del público original que la experimentó, conmovido por sentimientos de compasión. Estas lágrimas incipientes serían las que dieran testimonio de la realización de un sueño del Renacimiento, el de hacer que la música fuera capaz de hablar de los movimientos del cuerpo y la mente de las personas: del apremio y la cólera, de la fatiga y la pena, de la quietud y del miedo.

Girolamo Frescobaldi.
wikipedia

Girolamo Frescobaldi (1583-1643), este italiano organista y compositor, coinciden muchos en señalarlo como el primer gran maestro de la composición para órgano. Su carrera musical la inició como organista de la iglesia de Santa María en Trastevere, en la ciudad de Roma. Hasta su aparición, el estilo de ejecución de los maestros de órgano se reducía a transcripciones o imitaciones de piezas vocales, pero este artista con su talento, desarrolló una nueva técnica para tocar el órgano en la que nadie pudo rivalizar. Estableció un modelo de ejecución que sería más tarde llevado a Alemania por su alumno Froberger, alcanzado su máximo esplendor en el apogeo del barroco, con las obras de Johann Sebastián Bach.

No alcanzando la misma acogida con sus composiciones, después de publicar en 1608 una primera colección de madrigales, se inclinó decididamente por el cultivo de la música instrumental, terreno en el que iba a conseguir sus mayores logros y que le proporcionaría renombre internacional. Junto a otros compositores-intérpretes contribuyó a consolidar los descubrimientos del siglo anterior en cuestiones como la manera en que la técnica interpretativa y las cualidades sonoras de un instrumento indicaban ciertas posibilidades y desafíos: lo melodioso de las frases largas en el registro agudo de un violín, la ingenuidad contenida en los dedos de un laudista o la vertiginosa velocidad de quien toca una clave. Así, estos instrumentos iban adquiriendo, dentro ya del lenguaje Barroco temprano, sus propios repertorios y sus propios dialectos.

Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento (XXXVI). La Música (VI)

Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento

La Música

ITALIA

Diálogo della música antica et della moderne

Vincenzo Galilei (1520-1591), laudista, teórico y compositor italiano, padre del astrónomo Galileo Galilei. Perteneció a la Camerata Florentina, grupo de artistas que pretendían el renacimiento del teatro y arte griego. Compuso madrigales y piezas para laúd, publicando, en 1581, su tratado musical Diálogo della música antica et della moderne. Su figura resultaría esencial en la vida musical del Renacimiento, contribuyendo de forma significativa a la revolución musical que marca el principio del barroco.

Compartiendo la inquietud que los florentinos tenían por restituir el legendario poder de la música, le llevó a criticar y ridiculizar la técnica aplicada en el madrigal de colorear cada palabra con un epíteto, de manera que cualquier palabra o frase afectiva debía subrayarse musicalmente, y aconsejó a los músicos que pensaran en cómo declamaría el texto un gran actor metido en su papel, encontrando así –los acentos y los gestos, la cantidad y la calidad del sonido, y el ritmo apropiado para esa acción o esa persona- la manera en virtud de la cual, la música se ajustaba a una nuevo modelo, la retórica y a un nuevo género, la ópera.

Giovanni Pierluigi da Palestrina.
wikipedia

Giovanni Pierluigi Palestrina (1525-1594), fue un compositor italiano, considerado como uno de los más célebres del Renacimiento, así como el autor de música religiosa más importante del periodo de la Contrarreforma. Considerando sus composiciones impregnadas de religiosidad y exaltación mística, y libres del espíritu profano que se había apoderado entonces de la música sacra, fueron declaradas perfectas por el Concilio de Trento.  En 1537, cuando tenía doce años, pasó a formar parte del coro de la iglesia de Santa María Maggiore en Roma, creyéndose que durante esta época aprendió a tocar el órgano. En 1544 fue designado organista y cantante de la catedral de Palestrina, su pueblo natal. Su primer nombramiento importante lo obtuvo en 1551, cuando el Papa Julio III lo llamó para que ocupara el cargo de profesor de canto y director de la “Capella Giulia” en San Pedro de Roma.

Los largos años que Palestrina consagró al servicio de diferentes papas, cardenales e iglesias, se tradujeron en un enorme catálogo musical, fundamentalmente de índole religiosa. Su enorme producción comprende ciento cinco misas y más de doscientos cincuenta motetes, así como numerosos magníficats, ofertorios, himnos, letanías, lamentaciones, salmos y madrigales, lo mismo sacros que profanos. Su estilo permite apreciar la evolución de la música religiosa, que pasó del canto gregoriano de la Edad Media a la polifonía renacentista.

La Missa Papae Marcelli (Misa del papa Marcelo), es su misa más célebre, en ella la música se sustenta en acordes progresivos, pasando frecuentemente por armonías muy ricas. Esta misa está escrita para coro en seis partes; otras del mismo autor tienen cinco u ocho, además de las cuatro habituales en tiempos anteriores. Y aun siendo coherentes consigo mismas, las frases armónicas pueden plegarse a las palabras. En las secciones de textos más extensos El Gloria y El Credo, ocurre como si el coro pronunciara cada frase con el colorido del gesto y la armonía melódicos, ambos explicables y expresivos. De sus motetes son célebres, además de la Improperia, los veintinueve motetes sobre el texto del Cantar de los Cantares de Salomón.

Busto de Emilio de' Cavalieri.
Basilica dell'Ara Coeli, Roma.
wikipeida

Emilio de' Cavalieri (1550-1602), compositor italiano del final del Renacimiento y comienzo del Barroco, que, como otros contemporáneos suyos, fue miembro de la Camerata Florentina. También desarrolló actividades de productor, organista, diplomático, coreógrafo y bailarín. Sería asimismo uno de los primeros impulsores del estilo recitativo con acompañamiento de bajo continuo. Entre los años 1578 y 1584 se ocupó de la organización de las manifestaciones musicales del Oratorio de San Marcello en Roma, y en 1588 se trasladó a Florencia, donde el Cardenal Ferdinando de Médicis, lo contrató como superintendente del arte, vestuario, fiestas, teatro y música.

Como músico, aunque esto no fuera reconocido por sus oponentes florentinos, debe ser considerado el verdadero instaurador del estilo monódico teatral. Su música resultó ser muy avanzada para el estilo de su época, de forma que la música vocal que compone tiene una línea melódica muy adornada y expresiva, característica que define al barroco temprano. Su estilo musical fue adoptado por otros compositores de la escuela romana del S. XVII, y de sus trabajos conocidos, el más importante es, "La rappresentazione dianima e di corpo”, que con libreto de Agostino Manni, algunos la consideran como la primera ópera.

Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento (XXV). Las artes plasticas: La Escultura (III)

Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento

Las artes plásticas

La Escultura

wikipedia

Benvenuto Cellini, que fue el orfebre más grande del S. XVI, ocupa asimismo un sitio prominente en la escultura italiana, por ser uno de los principales representantes de la tendencia manierista, hacia la que el Renacimiento derivó antes de dirigirse hacia al barroco. La fama de este personaje, al margen de su personalidad artística, se debe a su peculiar vida privada que encaja perfectamente en la trama de la novela picaresca. En su obra literaria, “Autobiografía”, editada por primera vez en Italia en 1728, hace un retrato incomparable tanto de sí mismo, como de la vida de su tiempo en Florencia, en Roma, y en la Francia de Francisco I.

Perseo. Wikipedia

El Salero de Cellini es una escultura de mesa obra de Benvenuto Cellini
que se conserva en el Kunsthistorisches de Viena, Austria.
wikipedia

Obras atrayentes, y sobresalientes, de Cellini, pueden ser, la sensacional escultura de “Perseo y la Medusa”, que se encuentra en la Loggia dei Lanzi, de Florencia, y la conocida como el Salero de Francisco I” considerada como la obra de orfebrería más notable del Renacimiento, que en la actualidad se halla en el Kunsthistorisches Museum, de Viena.

Fuente de Neptuno. wikpedia

En la mencionada Loggia dei Lanzi, que se halla en la parte sur de la Piazza della Signoría, de la ciudad de Florencia, no puede omitirse la “Fuente de Neptuno”, que allí también se halla, obra de Bartolomeo Ammannati, escultura que junto a la del “Hércules”, de Padua, realizada igualmente por él, representan a las mayores estatuas colosales que ha legado el Cinquecento. De la misma manera, es imposible ignorar, la existencia en el citado espectacular espacio urbano de la ciudad de Florencia, del inconmensurable grupo escultórico, “El rapto de la sabina”, obra del artista de origen flamenco, llamado en Italia, Giambologna, del que más adelante también nos ocuparemos. 

Retrato de Miguel Ángel, por Daniele da Volterra,
donde se aprecia su nariz chata.
wikpedia

El genial Miguel Ángel, el artista más sobresaliente de su época, al que ya en apartados anteriores nos hemos referido, en este resumido recorrido de la escultura italiana del Renacimiento, no podemos omitirlo. En su escultura aparece el mundo que el sueña, representado por gigantes de facciones grandiosas y gestos terribles, así las criaturas que elabora son gigantescos arquetipos humanos. En ellas, la musculatura cada vez más acusada, viene a revelar los largos años que el artista ha dedicado al profundo estudio de la anatomía humana. Sus desnudos están dotados de una fuerza en tensión que no tiene parangón en la historia de la escultura. A este respecto puede comprobarse, como los músculos se acusan bajo la piel, rebosando todo el cuerpo un dinamismo contenido que hace, que al revolverse sobre si mismo, depare posiciones de un rico y espectacular movimiento. 

De sus obras, en las que transmite y manifiesta la asimilación de las teorías idealistas de Platón, destacan por ser ampliamente conocidas y notables, las ya citadas con anterioridad, y que en cierto modo le catapultaron a la fama, “Baco ebrio”, “David”, y “La Piedad”, de las cuales, las dos primeras se encuentran en Florencia, en el Museo del Bargello, y Gallería dell’Accademia, respectivamente, y la tercera, a la que queremos referirnos porque hizo tres tituladas de la misma manera, está en San Pedro, Roma.

El Bacus del Museo del Bargello, enFlorencia, (1496-1498).
wikipedia

En la primera, exhibiendo un tratamiento suave de la anatomía del personaje, representa al juvenil dios del vino con una copa en la mano derecha a la altura de la boca y mirándola con ojos que delatan su estado de ebriedad. 

El David, Galería de la Academia,Florencia.
wikipedia

La segunda, considerada una de las obras escultóricas más importantes de Miguel Ángel, muestra en la imagen de David un nuevo punto de vista de las virtudes humanas que emanan de la suma del espíritu humanista, del valor personal y de la complexión atlética y juvenil. El autor refleja, mediante la posición del personaje, la disposición del mismo a atacar a Goliat, en el que se ven signos de ira y fortaleza ante la injusticia, señales que representaban el ideal republicano. 

La Piedad de la basílica de San Pedro del Vaticano, de 1,74 m de altura x 1,95 m de longitud en la base (1496).
wikipedia

Respecto a la última, “La Piedad”, por tener Miguel Ángel solamente veintitrés años cuando la hizo, se la tiene por una de sus obras más tempranas. En esta escultura es especialmente notable la fuerza de la expresión artística con la que el maestro logra componer las dos imágenes e integrarlas formando con ello un todo indisoluble, recurriendo también de nuevo a la suavidad para evidenciar los aspectos trágicos, predominando la serenidad.

Parte baja de la sepultura de Julio II en San Pietro in Vincoli, en Roma, con las esculturas de Moisés, Raquel y Lía.

Pueden citarse entre muchísimas más: “El Moisés”, que se contempla en la iglesia de San Pietro in Vincoli, en Roma, comprendida en el conjunto escultórico del que se compone la “Tumba del Papa Julio II”, en la misma iglesia; el “Genio de la Victoria”, alojado en el Palazzo Vecchio, de Florencia; el “Esclavo moribundo”, que se exhibe  en el Museo del Louvre, en París; y la escultura de la “Pietá”, que puede verse en Florencia, en el Museo dell’Opera del Duomo. A estas obras pueden añadirse las “Tumbasde Lorenzo y Giuliano de Medici”, que se hallan en la “Capilla Medici”, en la iglesia de San Lorenzo, de Florencia.

Piedad florentina por Miguel Ángel.. wikipedia.

Esclavo moribundo. Louvre.

Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento (XXIV). Las artes plasticas: La Escultura (II)

Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento

Las artes plásticas

La Escultura

ITALIA

Retrato de Donatello realizado en el siglo XVI.
 Museo del Louvre.
wikipedia

Donatello, fue el escultor más importante e influyente del Renacimiento Temprano. A la extraordinaria emotividad de sus obras, hay que añadir su asombrosa capacidad técnica, consiguiendo dominar la escultura de su país a lo largo del S. XV, logrando que la autoridad y predominio de su labor artística incidiera, más tarde, en la de Miguel Ángel, uno de los más grandes escultores de la historia. Su figura, siempre en constante evolución, estuvo dotada de una enorme sensibilidad y un excepcional talento, concurriendo también la circunstancia de ser un investigador incansable, permitiéndo que sus hallazgos, dentro del campo técnico, le condujeran a alcanzar una gran maestría en su trabajo.

wikipedia

Haciendo referencia a las numerosas y espectaculares obras de Donatello,  citaremos a algunas de ellas. El “David”, que se encuentra en el Museo Bargello, de Florencia, y que ejecuto en bronce en 1430, pues veinte años antes había esculpido uno en mármol.  Esta representación del héroe bíblico, se trata de la primera obra en la que un escultor europeo, desde la Antigüedad, se atreve a crear un desnudo tridimensional de tamaño natural. La estatua conocida como “Gattamelata” (Gata Melosa), es la que hizo en Padua, representando al condottiere veneciano Erasmo da Narni, tratándose de una estatua ecuestre con la que el artista alcanzaría una fama inmediata, resucitando con su ejecución el género de esta clase de  estatua.

Escultura del condottiero Gattamelatta, obra de Donatello, en Padua.
wikipedia

Judith y Holofernes de Donatello.
wikipedia

En Padua, también se halla el “Altar Mayor”, que efectuó para la Iglesia de San Antonio, llamado del Santo, está considerado el más espectacular de la Europa de su siglo. Para concluir incluiremos una obra capital suya, fundida en bronce como otras que realizó, como es el grupo de “Judit y Holofernes”, que se contempla en el Palazzo Vecchio, de Florencia. En una composición extremadamente diferenciada de cada una de las vistas laterales, el autor presenta el momento preciso en que Judit, una rica viuda de Judea, decapita al general Holofernes, que era el jefe de las tropas del rey de Babilonia, Nabucodonosor, acción con la que logra salvar a su pueblo de la destrucción.

Autorretrato de Ghiberti en la Puerta del Paraíso
 delBaptisterio de la Catedral de Florencia
wikpedia

Lorenzo Ghiberti, uno de los más importantes escultores, coincidiría en la mitad del S. XV, con el mencionado Donatello, periodo durante el que se gestó y alcanzó la madurez del Renacimiento en su país. Con él, y junto a Nanni di Banco, -autor de geniales esculturas de profetas y evangelistas que se encuentran en la catedral de Florencia y el Museo dell´Opera del Duomo-, contribuyó a sentar las bases sobre las que con posterioridad se desarrollaría la escultura renacentista.

Esencialmente, Ghiberti fue uno de los últimos artistas comprendidos en lo que es considerado como la tradición de la escultura del estilo gótico internacional, apareciendo por ello siempre en sus trabajos reminiscencias góticas, como el arreglo decorativo de las vestiduras, la elegancia de las figuras o una marcada estilización de las facciones de las mismas. Interesado profundamente por la antigüedad, el estudio y la búsqueda de nuevas técnicas, nunca consiguió alcanzar el nivel científico que logró Brunelleschi, ni tampoco el intenso realismo que caracteriza a las distintas obras Donatello.

La Puerta del Paraíso, Baptisterio de Florencia, Italia.
wikipedia

La obra que sobresale de todos sus trabajos, y que está considerada como una de las cumbres de la escultura de todos los tiempos, es el segundo par de puertas realizado en bronce, entre 1425 y 1452, para el Baptisterio, de Florencia. Ya había elaborado otro par de puertas para el mismo edificio en virtud de contrato firmado en Noviembre de 1403. A este nuevo par de puertas Miguel Ángel lo denominaría, “Las Puertas del Paraíso”, y algunos historiadores no dudan en señalarlas como el maravilloso y auténtico umbral de entrada al Renacimiento. El trabajo consiste en una composición de diez escenas tomadas del Antiguo Testamento. En él, Ghiberti, se muestra como un artista plenamente renacentista, quedando constancia de algo que sorprendentemente y de manera genial identifica a este estilo, al hacer uso de esa nueva forma de la representación en perspectiva, que permite transformar una superficie para crear el efecto visual de tridimensionalidad.

Respecto al trabajo que se acaba de reseñar, hay que reparar que en 1452, año de la conquista de Constantinopla por los turcos, Ghiberti, culmina su mencionado segundo par de puertas destinadas al baptisterio, habiendo empleado cincuenta años en completar su obra -veintidós para las primeras y veintiocho para las segundas-. La obra la inicia cuando era un joven de veintitrés años y al concluirla es ya un anciano de setenta y tres. Llegado a este punto, cabría preguntarse: ¿Qué artista sería capaz hoy de una cosa así?, y, ¿qué ciudad estaría dispuesta a subvencionar a un escultor durante cincuenta años para obtener una obra bien hecha?

Detalle de la «Cantoría» de Luca della Robbia.
wikipedia

De la extraordinariamente densa relación de escultores italianos pertenecientes al movimiento renacentista, hay que señalar a Luca Della Robbia, que a pesar de ser alumno de Nanni di Banco, en la ejecución de sus esculturas de mármol, se nota de manera clara la influencia de artistas como Ghiberti y Donatello. Como obra maestra suya está considerada, la “Cantoria” (galería de los cantores), realizada en mármol entre 1431 y 1438 para la catedral de Florencia. Es conveniente señalar, que a este artista por el género que mejor se le conoce, y al que más se dedicó, fue la escultura de terracota vidriada, cuya técnica se perfeccionó de forma importante en el taller de su familia.

Cristo y Santo Tomás, Orsanmichele, Florencia
wikipedia

Al igual que al citado anteriormente, no puede evitarse el tener que hacer referencia a, Andrea del Verrochio, quien llegó a tener como alumno a Leonardo da Vinci. Con independencia de ser un notable pintor y maestro de su época, está considerado después de Donatello, el más importante escultor florentino del S. XV. Su obra se caracteriza por una belleza extraordinaria, en la que se manifiesta asimismo una gran sensibilidad y maestría técnica, y a la que imprimió vigor y una inusitada fuerza interior. Obra capital suya es el grupo escultórico, la “Duda de Santo Tomás”, alojada en la hornacina central de la fachada de la iglesia de, Or San Michele de Florencia.

Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento (XVIII). Las artes plasticas: La Pintura (IV)

Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento

Las artes plásticas

La pintura

Autorretrato atribuido a Giorgione
 del museo Herzog Anton Ulrich
de Brunswick (Alemania).
wikipedia

De Giorgione, iniciador de la pintura veneciana del Cinquecento, es un artista del que se sabe muy poco, y al que, con certeza absoluta, únicamente le han podido ser atribuidas cinco obras. Se dice que en el mundo de la pintura fue en cierto modo un revolucionario, al conseguir extraordinarios resultados utilizando sabiamente los esquemas de color para armonizar sus cuadros. Su pintura es especialmente enigmática, aun a sabiendas de que la interpretación iconográfica es de una importante subjetividad. Igualmente la misma está revestida de una constante valoración del paisaje, estos aparecen bañados por una luz dorada, poética y ensoñadora.

De su escasa obra destaca, “La tempestad”, que se halla en la Academia de Venecia, al estar considerada como una de las obras de arte más maravillosa. El cuadro, probablemente siendo un fin perseguido por su autor, encierra un halo de misterio, ya que la representación que en ella se hace, aun al día de hoy, se presta a muchas y diferentes interpretaciones. Observándolo, cabe preguntarse, si lo escenificado sólo se trata de una alegoría de la oposición del hombre y la mujer y de sus mundos respectivos.

wikipedia

Otras pinturas, que al menos  hay que reseñar, de Giorgione, son: “Virgen entronizada”, “Los tres filósofos”, “Concierto Campestre”, y “Venus dormida”, cuadro éste que, por su supuesta similitud, ha sido frecuentemente comparado con la “Venus de Urbino”, de Tiziano. Las referidas obras se encuentran, respectivamente, en la Iglesia de San Liberal, Castelfranco Véneto, Kunshistorisches Museum, Viena, “Museo del Louvre”, París, y la Gemäldegalerie, Dresde. 

Venus dormida. Giorgione. Wikpedia.

Detalle del Autorretrato de Tiziano,
pintado hacia1567
(Museo del Prado).

Llegando a lograr una fama que casi igualó a la de Miguel Ángel, Tiziano, de quien se dice que cuando murió de la peste contaba con noventa y nueve años, su pintura comenzó cuando ésta empezó a ser algo más que dibujo y color, entendiéndose, como un arte con sus leyes ocultas y sus recursos propios. De esta forma la naturaleza, la tierra, los árboles, la luz, el aire, las nubes y los seres humanos con sus puentes y ciudades, se empezaron a considerar como un conjunto.

Tiziano tuvo una gran producción y siempre de alto nivel, recibiendo encargos, entre otros, de Carlos V, Felipe II, y de diferentes reyes de Francia. En su pintura abunda la temática religiosa lo mismo que la de carácter mitológico y profano. A toda su obra la impregna de un interesante y atractivo significado narrativo. Entre 1516 y 1530, cuando el clasicismo alcanza su punto más alto, pintó grandes retablos para iglesias y escuelas, en los que aparecen especialmente humanizados los personajes religiosos. En lo que concierne a la pintura mitológica se complace en la belleza del desnudo con un enfoque realista representando a hombres y mujeres de carne y hueso.

En su condición también de gran retratista, los retratos que hace son, en su mayoría, de bustos de tres cuartos prolongado, dotando a los personajes de gran profundidad psicológica, en los que igualmente aparecen aspectos que identifican la condición social de los mismos. En estas obras existen representaciones de bustos erguidos, retratos ecuestres, y de carácter votivo.

Le llevó a Tiziano dos años (1516-18)
completar la Asunción de la Virgen de Santa María dei Frari,
cuya dinámica composición triangular
y viveza de colores lo convirtió
en el más clásico de los pintores fuera de Roma.

Prueba de lo anteriormente señalado y de su permanente ánimo innovador, algo que no dejó de impactar en sus contemporáneos, es el retablo que se encuentra en la iglesia de Santa María dei Frari, de Venecia, “Madona con santos y miembros de la familia Pesaro”, en el que llama la atención que la Virgen se halle fuera del centro del cuadro. La mayor fama, que en un momento determinado, se estribó en la realización de retratos, la acredita con el óleo titulado “El joven inglés”, que puede verse en el Palacio Pitti de Florencia. Esta obra sin tener comparación alguna con el minucioso modelado de “Mona Lisa”, de Leonardo, el joven que en ella aparece, tiene no obstante, la misma misteriosa sensación de vida que aquella.

Como ilustración de su extensa obra, y por hallarse en el Museo del Prado, cabe señalarse el lienzo titulado, “El Emperador CarlosV, a caballo, tras la batalla de Mühlberg”. En esta pintura al no mostrarse el desarrollo de la batalla ni ningún accesorio alegórico a ella, solamente la armadura y la lanza pregonan el papel que en ese momento desempeña el emperador, como hombre de guerra, Tiziano, inteligentemente evidencia y simboliza el acontecimiento, con el rojo sangre que tiñe el cielo, alumbrado este, de manera grandiosa y dramática, por un sol todavía intenso en el ocaso después de la batalla.

Carlos V a caballo en Mühlberg (1548), es el retrato iconográfico por excelencia. Representa al emperador como príncipe cristiano, vencedor del protestantismo y como símbolo de la hegemonía de los Austriasobre Europa (Museo del Prado). wikipedia

Autorretrato.
wikipedia

Tintoretto, maestro del manierismo, considerando que la pintura que en su época identificaba a la Escuela Veneciana, estaba en exceso, repleta de una sencilla belleza de formas y colores, cuyos cuadros tendían a ser más agradables que emotivos, caso del anteriormente citado Tiziano, quiso mostrar las cosas a una nueva luz, explorando otros modos para representar los mitos y leyendas del pasado. Entendió que un acabado unido y esmerado, no contribuía a los fines que el perseguía, pues tal cosa podía distraer la atención del dramático acontecimiento que sucedía en el cuadro. De esta forma, abundando en esta idea, acostumbró a que en sus obras se pudiera contrastar esa falta de acabado unido y esmerado, anteriormente apuntado, algo que motivó el asombro de la gente que las contemplaba.

Hallazgo del cuerpo de San Marcos

San Jorge luchando con el dragón (San Giorgio e il drago)

Tintoretto, hacia 1550-1560

San Jorge luchando con el dragón
(San Giorgio e il drago)

Tintoretto, hacia 1550-1560

Examinando su obra, al ver “El hallazgo de los restos de San Marcos”, en la Pinacoteca de Brera, en Milán, se puede observar lo insólito de sus cuadros y el porqué de que cautivasen, a pesar de su carácter heterodoxo y excéntrico. La distribución de las figuras es un tanto confusa y desconcertante, y los contrastes de luz y sombra son intensos, originando complicadas sensaciones de proximidad y lejanía, a lo que se une de manera clara, una falta de equilibrio en movimiento y ademanes. En el cuadro de, “San Jorge y el dragón”, que se encuentra en la National Gallery, de Londres, abundando en lo anteriormente expuesto, se aprecia que mientras la princesa parece desear salirse de él, el héroe contra todas las reglas, aparece al fondo de la trágica escena.

De este autor existe una obra, La liberación de Arsinoe, que puede contemplarse en la Gemäldegalerie, de Dresde, que corrobora parte de lo anteriormente expuesto. En este caso, lo concerniente a la vida que cobran los espacios de la mayoría de sus pinturas por la tensión que genera la deformación expresiva. En ella, lo excéntrico, sobre todo lo atrevido, dispuesto sobre la diagonal que va del ángulo inferior izquierdo hasta el superior derecho, domina la composición, obteniendo así el objetivo que persigue, cargar de tensión la escena representada.

Autorretrato.
wikipedia

La obra y la pintura de Veronese, es la expresión de una sociedad embriagada por la abundancia terrenal y el esplendor festivo como era la del Renacimiento Tardío. Resultó ser el profeta de la pintura del Barroco y del Rococó. Consiguió marcar con  su estilo, la pauta a seguir durante el siglo siguiente llegando su influencia hasta los tiempos de Tiépolo, último pintor de la era barroca y una de las figuras más destacadas del rococó italiano. En contraposición a la siniestra seriedad y a la tensión dramática de las oscuras tonalidades que imprimían a sus obras los últimos maestros venecianos, él va tornando progresivamente más claros los colores, y sus escorzos ilusionistas aparecen leves y carentes de importancia trágica.

Las bodas de Canaá. Paolo Veronesse. Wikipedia.

En el lienzo, “Las bodas de Canáa”, obra que se halla en París, en el Museo del Louvre, se muestra, no solo como un maestro insuperable capaz de crear composiciones de grandes dimensiones, sino como creador también de fantásticos festines resplandecientes, además de evidenciar ser un retratista virtuoso. Sus obras, “Marte y Venus”, y “Rapto de Europa”, que en la actualidad pueden verse, la primera en el Metropolitan Museum of Art, de Nueva York, y la segunda, en el Palazzo Ducale, de Venecia, reproduciendo escenas mitológicas, huye de paisajes italianos reales y tiende a crear “vistas” a sus paisajes ideales, lo que sería una invención que con frecuencia repercutiría en la pintura de los siglos XVII y XVIII. 

Marte y Venus unidos por Amor. wikpedia.