La Universidad de Salamanca conmemoró el V Centenario del nacimiento de este personaje tan estrechamente vinculado a Salamanca con una exposición con nutridos fondos bibliográficos que testimonian la incesante actividad de Diego de Covarrubias. (ver entrada en nuestro blog)
Diego DE COVARRUBIAS, jurista, político y eclesiástico, nació en Toledo, en 1512. Su padre fue Alonso de Covarrubias, arquitecto de la catedral de Toledo, y su hermano Antonio de Covarrubias y Leyva, profesor de Derecho en Salamanca y consejero de Castilla. Él, después de aprender latín y griego, marcho en 1527 a estudiar Derecho Canónico en la Universidad de Salamanca, siendo igualmente, en la misma universidad, alumno de Teología de Francisco de Vitoria y Domingo de Soto.
En la Universidad salmantina obtuvo en 1538 el título de bachiller en cánones, y el de doctor al año siguiente, consiguiendo una cátedra en 1540 que desempeñó durante ocho años. Después de ejercer, de 1548 a 1559, el cargo de oidor en la Real Chancillería de Granada, en 1560, visitó la ciudad charra, interviniendo en la reforma de su Universidad y en la modificación de sus estatutos. El mismo año, ostentando a título personal el rango de arzobispo, fue nombrado Obispo de Ciudad Rodrigo, cargo que sucesivamente, más tarde, ocuparía en las diócesis de Segovia y Cuenca. Asimismo asistió al Concilio de Trento donde tuvo una activa participación en la sección concerniente a organización y disciplina.
Como miembro de la Escuela de Salamanca, interviniendo en las discusiones sobre si se podía hacer o no esclavos a los indígenas, toma manifiestamente partido por el antiesclavismo. Junto a Luis de Molina, teólogo y jurista perteneciente a la Compañía de Jesús, que también fue estudiante de la Universidad de Salamanca, desarrolló una teoría subjetiva del valor y precio que justificaba el valor de las cosas, por el libre acuerdo sobre el precio entre comprador y vendedor, determinado al final, por su abundancia o escasez. Es autor de una ingente y espléndida obra literaria en la que revela su magnífica condición de jurista y político, y en la que tampoco omite la de eclesiástico.
Diego PISADOR, aunque existen
dudas al respecto, por ser bastante confusa su biografía, se cree que nació en
Salamanca alrededor del año 1509 o 1510, llegando a ser un experto vihuelista y
compositor musical. Era el hijo mayor de Alonso Pisador y de Isabel Ortiz, hija
ésta, a su vez, de Alfonso (o Alonso) III de Fonseca, Arzobispo de Santiago y gran mecenas de la música. El padre,
Alonso Pisador, después de trabajar como notario de la audiencia del citado
arzobispo, pasó a prestar servicio al Conde de Monterrey, probablemente Alonso
de Acevedo y Zúñiga, quien era nieto de Alfonso (o Alonso) III.
Portada de Libro de música de vihuela. wikipedia
A pesar de que Diego Pisador, en 1526, tomó
ordenes menores, hay dudas que siguiera después la carrera eclesiástica. Tras
una larga ausencia de su padre de la ciudad salmantina, él cuida de su madre y
de su hermano pequeño, haciéndose cargo de los asuntos económicos de la familia
y desempeñando el cargo de mayordomo (administrador) de la ciudad, empleo que
había ostentado su padre.
Aparte de su especialidad con la vihuela,
instrumento de cuerda parecido al laúd, su principal obra es “Libro de música de Vihuela”, publicado en 1552, y dedicado a Felipe II, cuyas
páginas contienen villancicos, villanescas, romances, fantasías, sonetos,
misas, etc. El referido trabajo está compuesto o dividido en siete libros y
consta de noventa y tres piezas, aunque si se considera, como su autor hizo,
cada una de las partes de las misas como una obra separada, arrojará un total
de ciento ochenta y seis piezas.
Diego Pisador - Dezidle al cavallero que - Giovanni Antonio Boltraffio
Alfonso DE CASTRO, sacerdote
franciscano, nació en Zamora, en 1495, fue teólogo, jurista, y consejero real,
siendo reconocido como miembro destacado de la prestigiosa Escuela de
Salamanca. Sus estudios de teología los realizó en las Universidades de
Salamanca y Alcalá, enseñando la referida materia en la primera durante unos
treinta años. En su Orden desempeñó importantes cargos de gobierno, motivo por
el que, en 1526, asistiría en Asís al Capítulo general que allí se celebró.
A pesar de su intensa dedicación a la enseñanza
y a la escritura, con el objetivo de conseguir la unidad de la Iglesia Católica,
fue un extraordinario predicador con fama de profundo, fogoso y elegante, labor
que realizó tanto en España como en muchos países europeos. De la casa real
también sería predicador a la vez que consejero de la misma, la cual le envió
al Concilio de Trento, siendo su participación considerada entre las mejores de
los principales teólogos. Fue acompañante de Carlos I y de Felipe II en
acontecimientos importantes, con el primero en 1530, asistió en Bolonia, a su
coronación como emperador, y respecto al segundo, lo hizo en 1554, en la
celebración en Inglaterra, del matrimonio de este, con María Tudor.
De sus obras se pueden consignar, “Adversus
omnes haereses”, en la que enumera y rebate las sucesivas herejías surgidas
en la Iglesia
desde la época de los apóstoles, y, sobretodo, “De potestate legis penalis”,
por la que Alfonso de Castro está considerado como uno de los fundadores del “Derecho
de Gentes” y de la ciencia del “Derecho Penal”. En este trabajo de
forma precisa expone la naturaleza y el fin de la pena, y su relación con el
delito, doctrina que para él obliga en conciencia respecto a la aplicación de
las leyes penales.
Bartolomé de ESCOBEDO, nacido en
Zamora, en 1500, fue un importante compositor cuyos estudios los llevó a cabo
en Salamanca donde fue cantor en la Capilla Catedralicia.
Desde esta ciudad, en 1536, pasó a la capilla musical de los papas en Roma,
considerada como la más prestigiosa de la época. A pesar de prestar sus
servicios, hasta su retirada, en la mencionada institución, regresó a España en
diferentes ocasiones con distintos cometidos relacionados con su profesión. En
una de ellas, que se prolongó de 1548
a 1551, fue para ponerse al frente de la capilla de la
infanta Juana de Castilla.
Como hábil y
sobresaliente compositor, entre sus obras destacan varios motetes, como los que
se conocen con los títulos de “Exsurge”, y de “Immutemur habitu”,
publicados y editados en Italia como parte de diversas colecciones de motetes.
También compuso dos misas a seis voces, la que se conoce con el sobrenombre de “Ad
te levavi”, y la que creó en honor de Felipe II, identificada con la
denominación latina, “Philippus Rex Hispaniae”. En esta composición
Escobedo, siguiendo una práctica común de la época, sirviéndose de las vocales
del mencionado título, compondría la melodía que le proporcionó la base de la
creación del entramado polifónico.
Bartolomé de Escobedo. Missa Philippus Rex Hispaniae. Agnus Dei
Mientras que la capilla y el cantoral de Eton estaban
siendo construidos, en torno a 1500, la música estaba también en ascenso en
España, gracias en parte al contacto con músicos de la escuela franco-flamenca.
Hay constancia de que España fue visitada por Pierre de la Rue (1452-1518), compositor y
cantor franco-flamenco, y por el también compositor renacentista y teórico
musical alemán, Martin Agricola (1486-1556). Como en todas las partes, a
Josquin des Prés se le adoraba, y la polifonía imitativa fue asimilada por los
principales compositores del país.
El desarrollo cultural en España, obtuvo un mayor y
definitivo impulso, al lograrse la unificación del país con el derrocamiento
del último enclave árabe en 1492. Coincidiendo con este hecho, los españoles no
tardaron mucho en establecer contacto con nuevos y extraños tipos de música
como consecuencia de la conquista de México en 1521 y la del Perú en 1533,
como, a la inversa, le ocurrió a los indígenas que habitaban esas zonas. De esta forma los
primeros observadores españoles interpretaron aquello que escucharon de la
música azteca e inca como algo fundamentalmente familiar o si acaso, a estilo
renacentista, como un ejemplo de la naturalidad que se le suponía a la música
de la antigua Grecia. Serían estas observaciones todo lo que se conserva, ya
que la única música escrita es la que estaba destinada a la religión de los
conquistadores.
Finalizando el S. XV y durante el XVI hasta los albores
del XVII, surgieron en España compositores y músicos en sus más diferentes
facetas que depararon al país uno de los momentos de máximo esplendor en lo que
concierne a su historia musical. Este hecho tendría su continuación, cuando ya
en el S. XVIII, la música de nuestro país se incorporó de manera definitiva al
estilo barroco con abundante producción de óperas al estilo italiano. Con la
música barroca, se asistiría a la aparición de incesantes y nuevas ideas, así
como a la expansión de muchas sensaciones musicales antes olvidadas.
lovetalavera.com
Francisco de Peñalosa(1465-1528), es
considerado como el compositor del Renacimiento español que primero asimiló la
polifonía imitativa, siendo uno de los compositores españoles más famosos y
prolífico de su época, y del que más obras se conservan.
En su denso trabajo no falta ninguno de los géneros
relevantes de la música vocal litúrgica tanto para la misa como para la
liturgia de las horas. El mismo comprende igualmente, once obras seculares en
lengua castellana: villancicos, canciones y la ensalada Por las sierras de
Madrid.
Portada del cancionero. wikipedia.
Juan del Encina(1468-1529),
poeta, músico y autor teatral, supo conjugar en su obra poesía y música, y como
gran músico alcanzó a ser apreciado por todas las cortes. Perteneció, en su
primera época, a la escuela polifónica castellana, considerada una de las más
importantes de España, por ser la que mejor representaba la evolución
polifónica en el país. Destacó como fecundo cultivador del villancico y del
romance, predominando en su estilo los procedimientos homofónicos en contraste
con los músicos de su tiempo.
Mateo Flecha –El viejo-
(1481-1553), compositor catalán renacentista, compuso “ensaladas” -popurrís de temas
musicales- arregladas para su canto a cuatro partes, y mezclando distintas
lenguas, castellano, catalán, italiano, francés e incluso latín. Sería conocido
principalmente por estas obras, al estar concebidas para divertir a los
cortesanos alcanzando gran fama en las fiestas palaciegas.
wikpedia
Cristóbal de Morales(1500-1553), es,
junto a Francisco Guerrero y Tomás Luis de Victoria, uno de los tres grandes de
la composición polifónica española del Renacimiento. Con su música vocal y
sacra es sin lugar a dudas el mejor compositor español de toda la primera mitad
del S. XVI, alcanzando su fama a toda Europa, perviviendo durante los siglos siguientes,
considerándosele un músico genial dotado de un estilo propio de rasgos bien
definidos como es su inventiva en materia de ritmo. Por ello nadie discrepa de
la influencia que tuvo sobre la obra polifónica de los compositores
cronológicamente siguientes, como pudieron ser Palestrina, Tomás Luis de
Victoria, y Guerrero.
Luis de Milán (1500-1561),
compositor y vihuelista, es uno de los
mayores exponentes de la música del Renacimiento español, siendo especialmente
conocido por ser el primer compositor que publicó música para vihuela, y
también uno de los primeros en dar instrucciones para marcar el tempo de
la música. Su música se la considera extremadamente sencilla y espontánea,
comunicadora y original, al igual que una música hermosa, fresca, vibrante y
cautivadora.
Aprovechando la mención que acabamos de hacer a la
vihuela, al referirnos a Luis de Milán, hay que dejar constancia de que este
instrumento en la música española desempeñó –sobre todo en los siglos XV y XVI-
el mismo papel preponderante que en otras culturas musicales europeas tuvo el
laúd. De caja plana y ovalada con un rosetón central, la vihuela poseía un
mástil corto y doblado hacia atrás y un número variable de cuerdas, entre cinco
y siete, que de a poco fueron uniformizándose en las seis que serían
características de su sucesora: la guitarra española.
Antonio de Cabezón (1510-1566),
ciego de nacimiento, fue organista, arpista y compositor, llegando a ser músico
de la corte de Carlos I y posteriormente de la de Felipe II. Ocupando este
cargo viajó bastante por Europa, hecho que aprovecharía para conocer a los
grandes músicos de las distintas escuelas europeas. El compositor Josquin de
Prés influyó de manera importante en el estilo polifónico de sus composiciones
en las que se manifiesta, por su capacidad de improvisación, como un gran
genio.
Aunque compuso algunas piezas litúrgicas, especialmente se
dedicó a la música para teclado, desarrollando mediante su trabajo nuevas
formas como las glosas de romances (adaptaciones para teclado de obras
polifónicas de otros compositores), las diferencias (variaciones sobre
canciones y danzas francesas y españolas), y los tientos (motetes
instrumentales basados en la imitación).
Francisco Guerrero(1527-1599), este
compositor, junto a Tomás Luis de Victoria y Cristóbal de Morales, está
considerado como uno de los grandes nombres de la música sacra española del
Renacimiento, así como uno de los mayores compositores y polifonistas españoles
de todos los tiempos. Fue, sucesivamente, maestro de capilla de las catedrales
de Jaén, Málaga y Sevilla.
Compuso un ingente número de obras profanas,
distinguiéndose asimismo por una abundante obra instrumental. Su música destaca
por la variedad de emociones que acertadamente consiguió poner en ella, desde
el recogimiento místico a la exaltación, desde la mayor alegría a la
desesperación. Su amplia obra, muy popular, durante mucho tiempo siguió
interpretándose especialmente en las catedrales americanas. Coincidiendo con
sus contemporáneos españoles, en sus composiciones, prefería las texturas
homofónicas, con una voz dominante y las otras subordinas a ella. Francisco
Guerrero sería también considerado precursor de la armonía funcional, lo que
originó, que durante mucho tiempo, uno de sus Magníficats, fuera
considerada una obra del S. XVIII.
Tomás Luis de Victoria(1548-1611),
considerado como la figura más destacada de la polifonía española del S. XVI,
es el compositor español de mayor reputación universal de todos los tiempos.
Estudió en el Colegio Germánico en Roma, y fue discípulo de Palestrina a quien
sucedió como organista y maestro de capilla en el citado colegio. Sus
composiciones traspasaron las fronteras del Renacimiento polifónico, su
equilibrio y pureza, para anunciar ya la expresividad barroca, consiguiendo que
fuera catalogado como uno de los mejores músicos del Renacimiento.
En su obra, que tuvo una gran difusión internacional, se mostró continuador del estilo que
conjugaba la homofonía y el contrapunto, creando cadencias que algo más tarde
imitarían todos los grandes autores. Compuso misas, motetes, magníficats y
otras obras polifónicas. De su extensa y excelente obra, muchos coinciden en
destacar su ya postrera composición, un magnífico réquiem a seis voces, Officium
Defunctorum,destinado a las exequias de la emperatriz viuda María
de Austria, obra cuyas armonías resplandecen desde un contexto de serenidad.
Esta obra musical es, probablemente, la que escrita en España más ha influido
en la música universal, su particular estética se hace sentir en casi toda la
música religiosa católica del barroco.
John Dunstable(1390-1453), compositor
inglés de música polifónica de la
Baja Edad Media e inicios del Renacimiento, fue uno de los
compositores más activos de la primera mitad del S. XV, y tuvo una gran
influencia no solo en Inglaterra sino también en el continente, contribuyendo
de manera especial como músico en la
Escuela de Borgoña. Este personaje además fue astrónomo y
hombre de gran cultura en el arte del Quadrivium, que comprendía las
enseñanzas de aritmética, astronomía, geometría y música, bases de la educación
de la Edad Media.
Por el teórico flamenco Johannes Tinctoris, al que ya con
anterioridad nos hemos referido, fue reconocido como el padre de la llamada contenance
angloise, nombre por el que los músicos franco-flamencos del Renacimiento
Temprano conocían a la práctica polifónica de Inglaterra, distinta a la del
resto del continente europeo.Este estilo se caracteriza por la suavidad
del sonido, dulzura armónica de los tercios y las sextas siempre presentes,
gracias al contorno melódico desarrollado, tipo éste de sonoridad que sería muy utilizado para la
formación de lo que se conoce como estilo borgoñón. A este músico se le
atribuyen un total aproximado de cincuenta y dos obras, conservándose muchas
obras vocales pertenecientes a él, incluidos movimientos para misas, arreglos
sacros en latín, motetes y villancicos ingleses.
Thomas Tallis (Grabado de Niccoló Haym sobre un retrato de Gerard van der Gucht).
Thomas Tallis(1505-1585),
compositor y organista inglés, desempeñó esta última función de 1540 a 1542 en la catedral
de Canterbury, compartiendo, con su compatriota y también famoso compositor
Byrd, el monopolio de editar música sacra. Su primera obra se publicó en 1575, Cantiones
sacrae, que incluye diecisiete motetes compuestos por él, y otra cantidad
igual creados por el ya mencionado Byrd. Fue compositor asimismo de gran
cantidad de música eclesiástica y de obras para teclado.
Durante su larga vida la Iglesia de Inglaterra se
independizó de la de Roma, pero él evitó las controversias religiosas que
estallaron a su alrededor. Aun siendo imposible datar mucha de la música de
este compositor, parece claro que mantuvo ciertos elementos estilísticos a lo
largo de su carrera, de forma que honrando a la tradición inglesa heredada de
John Taverner (1490-1545) y de los compositores del Cantoral de Eton, empleó
con frecuencia voces infantiles en exuberantes y elaboradas tracerías vocales,
siendo más reticente que sus contemporáneos continentales a abandonar los modos
que no fueran mayores o menores, y de ahí el tono lastimero y sobrio que la
música anglicana heredó de él.
William Byrd(1543-1623), en
los últimos años de la época de los Tudor y de los primeros de la de los
Estuardo, fue el compositor inglés más famoso. Perteneció al Renacimiento
tardío, cultivando los géneros musicales que existían en Inglaterra en aquella
época, incluyendo varias formas de música sagrada, como himnos, motetes y misas. También, siendo uno de los
grandes maestros de la polifonía del S. XVI, compuso polifonía profana,
madrigales y canciones con y sin acompañamiento instrumental.
Byrd fue organista en la Lincoln Cathedralde 1563 a
1572, obteniendo en 1557, licencia de la reina Isabel I para imprimir y
distribuir música escrita. A partir de 1591, este compositor comenzó un periodo
especialmente productivo de música para ministriles. Pertenecientes a aquel
periodo son dos magníficas composiciones, una de ellas The Browning (conocida
también como The leaves be green), que se trata de un conjunto de veinte
variaciones sobre una melodía popular, que creó con motivo del festejo de la
maduración de la nuez en otoño. En la otra, Fantasía a6, emplea una
textura ligera en estilo imitativo, el cual tiene influencias de los modelos
continentales. No obstante, en las fantasías de cinco y seis secciones emplea
un importante número de construcciones comulativas y a alusiones a fragmentos
de canciones populares.
Heinrich Schütz (1585-1672),
compositor alemán, que dentro de su país muchos le consideran como el más
destacado precursor de Bach, asignándosele en la historia musical de su tiempo
un puesto similar al de Monteverdi. Al igual que a su compatriota Durero en las
artes plásticas, en el siglo anterior, la principal aportación de Schütz a la
música consistió en la síntesis de las tradiciones alemanas e italianas, al
incorporar a la primera las innovaciones formales e instrumentales de la
segunda. Y si el polifacético Durero, encarnaba la transición del pathos gótico
al equilibrio renacentista, la obra del músico representó el paso de ese mismo
equilibrio, pero en este caso, a la expresividad barroca.
En 1615 entró al servicio del príncipe elector de Sajonia
en Dresde, y posteriormente, de 1642
a 1644, ocupó el puesto de director de la corte en
Copenhague. Compuso gran cantidad de polifonía instrumental y coral con textos
en latín y alemán, así como música sacra y madrigales al estilo italiano. Tres
décadas más tarde de su aparición en Florencia, concretamente en 1598, la
considerada primera ópera del mundo, Dafne, de Jacopo Peri, Schütz,
tomando el mismo libreto en una traducción del poeta Martin Opitz, crea la
primera ópera en lengua alemana.
FRANCIA
wikipedia
Clément Janequin(1485-1560), fue
un músico francés del Renacimiento, que compuso gran cantidad de música
polifónica vocal e instrumental, canciones, misas, motetes y obras seculares.
Está conceptuado como uno de los más famosos compositores de las chansons
populares de su época, concediéndosele gran importancia en el desarrollo de la
chanson parisina, especialmente de tipo programático. Su fama, alcanzada a la
gran divulgación que tuvo su obra, fue posible gracias al desarrollo de la
impresión musical.
Este músico francés escribió muy poca música sacra,
atribuyéndosele solamente dos misas y un motete. Sus doscientas cincuenta
chansons seculares y ciento cincuenta salmos y chansons espirituales –el
equivalente francés del madrigale spirituale italiano- son su legado más
importante. Las chansons programática por las cuales es conocido Janequin eran
largas piezas segmentadas, que con astucia usualmente imitaban sonidos
naturales o del hombre, canto de las aves, sonido de una cacería, o de una
batalla, en la que incluye el sonar de las trompetas y de los cañones al igual
que el grito de los heridos. Efectos onomatopéyicos, como eran estos, tuvieron
un uso muy común en la música de finales del S. XVI, hasta entrar en la era
barroca, de tal forma que la “música de batalla” se volvió un estilo, cuya
prominencia siempre le será atribuida a éste compositor galo.
Claudin de Sermisy(1490-1562),
compositor francés, que después de pertenecer a la Capilla de Palacio como
niño de coro, fue chantre de la
Capilla real, de la que en 1532 sería nombrado viceministro y
un año más tarde canónigo. Entre 1528 y 1536 está comprendido el periodo más
fecundo de su obra, durante el que compone siete misas, treinta motetes y
ciento diez canciones. Fue continuador de la misa-parodia utilizando en
alguna de ellas temas profanos.
Estas composiciones “paródicas” se basaban en que
aplicando el nuevo estilo musical de las canciones, que de manera inevitables
fue asimilado por la Iglesia,
a textos sacros produjeron motetes tan animados y expresivos como los madrigales; siendo así como también
escribieron misas basadas en estos mismos motetes o directamente sobre
madrigales, no siguiendo el antiguo cantus firmus, sino más bien
empleando el tejido polifónico al completo, adaptándolo, repitiéndolo y
extendiéndole donde era necesario. Tales recomposiciones se acabaron conociendo
técnicamente como “parodia”, sin sentido burlesco alguno, siendo muchos
los músicos que escribieron misas paródicas, basadas en sus propias
obras o en las de otros.
A pesar de estar influido por Josquin des Prés en el
tratamiento contrapuntístico de las melodías, el tendió a airear la trama
polifónica, a dar mayor importancia al texto sagrado y a multiplicar los
pasajes de escritura vertical, tendencia similar que se observa en sus motetes.
La parte más conocida de su obra son las canciones, en las que siguió los
modelos tradicionales, si bien introdujo el empleo de la imitación y del
encadenamiento de varias frases. También es recordada su obra por las canciones
galantes que sirvieron de base a villancicos y canciones piadosas tanto
católicas como protestantes.
wikipedia
Philippe Verdelot(1482-1531),
compositor del Renacimiento, de origen francés y de una desconocida e incierta
biografía, se sabe que después de trasladarse a Florencia, de 1523 a 1525 fue maestro de
capilla del Baptisterio de San Juan de la citada ciudad, trabajando también,
hasta 1527, en la catedral florentina.
De lo que existe certeza es de que se convirtió en el más
importante colaborador en la escritura del primer libro de canciones italianas
que dio nombre, en 1530, a
un nuevo género: el madrigal. En Venecia fue especialmente conocido, ya que
varios libros de madrigales publicados entre 1530 y 1540 incluyen varias de sus
obras, e incluso existe uno de ellos dedicado a él en forma exclusiva. Su
estilo alterna homofonía con texturas imitativas, usando raramente el
madrigalismo, que sería desarrollado más adelante, pero que se esboza en forma
muy interesante en algunas de sus piezas. La mayoría de sus madrigales son para
cinco o seis voces, los cuales alcanzaron gran popularidad en toda Europa,
habida cuenta de la frecuencia de sus reimpresiones a lo largo del S. XVI.
También en su obra aparecen composiciones tanto de misas como de motetes.
Retrato de Claudio Monteverdi Cremona, Italia wikipedia
Claudio Monteverdi (1567-1643),
compositor, gambista y cantante italiano, es el músico que marcó la transición
entre la tradición polifónica y madrigalista del S. XVI y el nacimiento del
drama lírico y de la ópera en el siguiente siglo. Este personaje que representa
la figura más importante en la transición entre la música del Renacimiento y la
del Barroco, inició sus estudios de música con el famoso maestro de capilla de la Catedral de Cremona,
Marco Antonio Ingegnieri, publicando sus primeras obras a los quince años.
Monteverdi, aparte de componer abundante música religiosa,
entre 1587 y 1638, publicó ocho colecciones de madrigales, en los que muestra
el absoluto dominio de la técnica madrigalista, combinando las escrituras
homofónica y contrapuntística, utilizando libremente armonías y disonancias. Su
objetivo, igualmente, en estas composiciones era hacer que las palabras fueran
las amantes de la armonía, y no las siervas, lo que significaba que el
raciocinio y las reglas debían dejar paso a la expresividad verbal. Propuso
también una autoridad clásica para
fundamentar su punto de vista, nada menos que la de Platón. Describió a la música
que obedece a las reglas de la armonía como ejemplo de una “primera práctica”,
señalando a la vez la existencia de una “segunda práctica”, en la que la
melodía y la armonía debían ajustarse al texto.
En 1607, año en el que murió su esposa, se estrenó L’Orfeo(Orfeo, favola in música), su primer drama musical, considerado la
primera y auténtica ópera de la historia, tal como la entendemos hoy día. Esta obra es un maravilloso casamiento en sí
mismo, del madrigal, las canciones para el baile y la nueva monodia expresiva,
algo que el compositor parece haber estado probando por primera vez. También
con ella se confirmó como una innovación más, la que se deriva de la nueva
monodia: la posibilidad de que exista una obra musical de gran formato y peso
específico fuera de la iglesia, pues la ópera propiciaba una forma de grandes
dimensiones absolutamente secular, y a partir de este punto la música
eclesiástica acabaría convirtiéndose en hija de la ópera, emulando sus solos y
su construcción dramática.
El patetismo arrebatador que alcanzan algunos pasajes de
la citada ópera compuesta por Monteverdi, arrancó las lágrimas del público
original que la experimentó, conmovido por sentimientos de compasión. Estas
lágrimas incipientes serían las que dieran testimonio de la realización de un
sueño del Renacimiento, el de hacer que la música fuera capaz de hablar de los
movimientos del cuerpo y la mente de las personas: del apremio y la cólera, de
la fatiga y la pena, de la quietud y del miedo.
Girolamo Frescobaldi. wikipedia
Girolamo Frescobaldi(1583-1643), este
italiano organista y compositor, coinciden muchos en señalarlo como el primer
gran maestro de la composición para órgano. Su carrera musical la inició como
organista de la iglesia de Santa María en Trastevere, en la ciudad de Roma.
Hasta su aparición, el estilo de ejecución de los maestros de órgano se reducía
a transcripciones o imitaciones de piezas vocales, pero este artista con su
talento, desarrolló una nueva técnica para tocar el órgano en la que nadie pudo
rivalizar. Estableció un modelo de ejecución que sería más tarde llevado a
Alemania por su alumno Froberger, alcanzado su máximo esplendor en el apogeo
del barroco, con las obras de Johann Sebastián Bach.
No alcanzando la misma acogida con sus composiciones,
después de publicar en 1608 una primera colección de madrigales, se inclinó
decididamente por el cultivo de la música instrumental, terreno en el que iba a
conseguir sus mayores logros y que le proporcionaría renombre internacional.
Junto a otros compositores-intérpretes contribuyó a consolidar los
descubrimientos del siglo anterior en cuestiones como la manera en que la
técnica interpretativa y las cualidades sonoras de un instrumento indicaban
ciertas posibilidades y desafíos: lo melodioso de las frases largas en el
registro agudo de un violín, la ingenuidad contenida en los dedos de un
laudista o la vertiginosa velocidad de quien toca una clave. Así, estos
instrumentos iban adquiriendo, dentro ya del lenguaje Barroco temprano, sus
propios repertorios y sus propios dialectos.
Vincenzo Galilei (1520-1591),
laudista, teórico y compositor italiano, padre del astrónomo Galileo Galilei. Perteneció
a la Camerata Florentina, grupo de artistas que pretendían el renacimiento
del teatro y arte griego. Compuso madrigales y piezas para laúd, publicando, en
1581, su tratado musical Diálogo della música antica et della moderne.
Su figura resultaría esencial en la vida musical del Renacimiento,
contribuyendo de forma significativa a la revolución musical que marca el
principio del barroco.
Compartiendo la inquietud que los florentinos tenían por
restituir el legendario poder de la música, le llevó a criticar y ridiculizar
la técnica aplicada en el madrigal de colorear cada palabra con un epíteto, de
manera que cualquier palabra o frase afectiva debía subrayarse musicalmente, y
aconsejó a los músicos que pensaran en cómo declamaría el texto un gran actor
metido en su papel, encontrando así –los acentos y los gestos, la cantidad y la
calidad del sonido, y el ritmo apropiado para esa acción o esa persona- la
manera en virtud de la cual, la música se ajustaba a una nuevo modelo, la
retórica y a un nuevo género, la ópera.
Giovanni Pierluigi da Palestrina. wikipedia
Giovanni Pierluigi Palestrina(1525-1594),
fue un compositor italiano, considerado como uno de los más célebres del
Renacimiento, así como el autor de música religiosa más importante del periodo
de la
Contrarreforma. Considerando sus composiciones impregnadas de
religiosidad y exaltación mística, y libres del espíritu profano que se había
apoderado entonces de la música sacra, fueron declaradas perfectas por el
Concilio de Trento. En 1537, cuando tenía
doce años, pasó a formar parte del coro de la iglesia de Santa María Maggiore
en Roma, creyéndose que durante esta época aprendió a tocar el órgano. En 1544
fue designado organista y cantante de la catedral de Palestrina, su pueblo
natal. Su primer nombramiento importante lo obtuvo en 1551, cuando el Papa
Julio III lo llamó para que ocupara el cargo de profesor de canto y director de
la “Capella Giulia” en San Pedro de Roma.
Los largos años que Palestrina consagró al servicio de
diferentes papas, cardenales e iglesias, se tradujeron en un enorme catálogo
musical, fundamentalmente de índole religiosa. Su enorme producción comprende
ciento cinco misas y más de doscientos cincuenta motetes, así como numerosos
magníficats, ofertorios, himnos, letanías, lamentaciones, salmos y madrigales,
lo mismo sacros que profanos. Su estilo permite apreciar la evolución de la
música religiosa, que pasó del canto gregoriano de la Edad Media a la
polifonía renacentista.
La Missa
Papae Marcelli(Misa del papa
Marcelo), es su misa más célebre, en ella la música se sustenta en acordes
progresivos, pasando frecuentemente por armonías muy ricas. Esta misa está
escrita para coro en seis partes; otras del mismo autor tienen cinco u ocho,
además de las cuatro habituales en tiempos anteriores. Y aun siendo coherentes
consigo mismas, las frases armónicas pueden plegarse a las palabras. En las
secciones de textos más extensos El Gloria y El Credo, ocurre como si el coro
pronunciara cada frase con el colorido del gesto y la armonía melódicos, ambos
explicables y expresivos. De sus motetes son célebres, además de la Improperia, los
veintinueve motetes sobre el texto del Cantar de los Cantares de Salomón.
Busto de Emilio de' Cavalieri. Basilica dell'Ara Coeli, Roma. wikipeida
Emilio de' Cavalieri (1550-1602),
compositor italiano del final del Renacimiento y comienzo del Barroco, que,
como otros contemporáneos suyos, fue miembro de la Camerata Florentina.
También desarrolló actividades de productor, organista, diplomático, coreógrafo
y bailarín. Sería asimismo uno de los primeros impulsores del estilo recitativo
con acompañamiento de bajo continuo. Entre los años 1578 y 1584 se ocupó de la
organización de las manifestaciones musicales del Oratorio de San Marcello en
Roma, y en 1588 se trasladó a Florencia, donde el Cardenal Ferdinando de
Médicis, lo contrató como superintendente del arte, vestuario, fiestas, teatro
y música.
Como músico, aunque esto no fuera reconocido por sus
oponentes florentinos, debe ser considerado el verdadero instaurador del estilo
monódico teatral. Su música resultó ser muy avanzada para el estilo de su
época, de forma que la música vocal que compone tiene una línea melódica muy
adornada y expresiva, característica que define al barroco temprano. Su estilo
musical fue adoptado por otros compositores de la escuela romana del S. XVII, y
de sus trabajos conocidos, el más importante es, "La rappresentazione dianima e di corpo”, que con libreto de Agostino Manni, algunos la consideran
como la primera ópera.
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