Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento (XXV). Las artes plasticas: La Escultura (III)

Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento

Las artes plásticas

La Escultura

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Benvenuto Cellini, que fue el orfebre más grande del S. XVI, ocupa asimismo un sitio prominente en la escultura italiana, por ser uno de los principales representantes de la tendencia manierista, hacia la que el Renacimiento derivó antes de dirigirse hacia al barroco. La fama de este personaje, al margen de su personalidad artística, se debe a su peculiar vida privada que encaja perfectamente en la trama de la novela picaresca. En su obra literaria, “Autobiografía”, editada por primera vez en Italia en 1728, hace un retrato incomparable tanto de sí mismo, como de la vida de su tiempo en Florencia, en Roma, y en la Francia de Francisco I.

Perseo. Wikipedia

El Salero de Cellini es una escultura de mesa obra de Benvenuto Cellini
que se conserva en el Kunsthistorisches de Viena, Austria.
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Obras atrayentes, y sobresalientes, de Cellini, pueden ser, la sensacional escultura de “Perseo y la Medusa”, que se encuentra en la Loggia dei Lanzi, de Florencia, y la conocida como el Salero de Francisco I” considerada como la obra de orfebrería más notable del Renacimiento, que en la actualidad se halla en el Kunsthistorisches Museum, de Viena.

Fuente de Neptuno. wikpedia

En la mencionada Loggia dei Lanzi, que se halla en la parte sur de la Piazza della Signoría, de la ciudad de Florencia, no puede omitirse la “Fuente de Neptuno”, que allí también se halla, obra de Bartolomeo Ammannati, escultura que junto a la del “Hércules”, de Padua, realizada igualmente por él, representan a las mayores estatuas colosales que ha legado el Cinquecento. De la misma manera, es imposible ignorar, la existencia en el citado espectacular espacio urbano de la ciudad de Florencia, del inconmensurable grupo escultórico, “El rapto de la sabina”, obra del artista de origen flamenco, llamado en Italia, Giambologna, del que más adelante también nos ocuparemos. 

Retrato de Miguel Ángel, por Daniele da Volterra,
donde se aprecia su nariz chata.
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El genial Miguel Ángel, el artista más sobresaliente de su época, al que ya en apartados anteriores nos hemos referido, en este resumido recorrido de la escultura italiana del Renacimiento, no podemos omitirlo. En su escultura aparece el mundo que el sueña, representado por gigantes de facciones grandiosas y gestos terribles, así las criaturas que elabora son gigantescos arquetipos humanos. En ellas, la musculatura cada vez más acusada, viene a revelar los largos años que el artista ha dedicado al profundo estudio de la anatomía humana. Sus desnudos están dotados de una fuerza en tensión que no tiene parangón en la historia de la escultura. A este respecto puede comprobarse, como los músculos se acusan bajo la piel, rebosando todo el cuerpo un dinamismo contenido que hace, que al revolverse sobre si mismo, depare posiciones de un rico y espectacular movimiento. 

De sus obras, en las que transmite y manifiesta la asimilación de las teorías idealistas de Platón, destacan por ser ampliamente conocidas y notables, las ya citadas con anterioridad, y que en cierto modo le catapultaron a la fama, “Baco ebrio”, “David”, y “La Piedad”, de las cuales, las dos primeras se encuentran en Florencia, en el Museo del Bargello, y Gallería dell’Accademia, respectivamente, y la tercera, a la que queremos referirnos porque hizo tres tituladas de la misma manera, está en San Pedro, Roma.

El Bacus del Museo del Bargello, enFlorencia, (1496-1498).
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En la primera, exhibiendo un tratamiento suave de la anatomía del personaje, representa al juvenil dios del vino con una copa en la mano derecha a la altura de la boca y mirándola con ojos que delatan su estado de ebriedad. 

El David, Galería de la Academia,Florencia.
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La segunda, considerada una de las obras escultóricas más importantes de Miguel Ángel, muestra en la imagen de David un nuevo punto de vista de las virtudes humanas que emanan de la suma del espíritu humanista, del valor personal y de la complexión atlética y juvenil. El autor refleja, mediante la posición del personaje, la disposición del mismo a atacar a Goliat, en el que se ven signos de ira y fortaleza ante la injusticia, señales que representaban el ideal republicano. 

La Piedad de la basílica de San Pedro del Vaticano, de 1,74 m de altura x 1,95 m de longitud en la base (1496).
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Respecto a la última, “La Piedad”, por tener Miguel Ángel solamente veintitrés años cuando la hizo, se la tiene por una de sus obras más tempranas. En esta escultura es especialmente notable la fuerza de la expresión artística con la que el maestro logra componer las dos imágenes e integrarlas formando con ello un todo indisoluble, recurriendo también de nuevo a la suavidad para evidenciar los aspectos trágicos, predominando la serenidad.

Parte baja de la sepultura de Julio II en San Pietro in Vincoli, en Roma, con las esculturas de Moisés, Raquel y Lía.

Pueden citarse entre muchísimas más: “El Moisés”, que se contempla en la iglesia de San Pietro in Vincoli, en Roma, comprendida en el conjunto escultórico del que se compone la “Tumba del Papa Julio II”, en la misma iglesia; el “Genio de la Victoria”, alojado en el Palazzo Vecchio, de Florencia; el “Esclavo moribundo”, que se exhibe  en el Museo del Louvre, en París; y la escultura de la “Pietá”, que puede verse en Florencia, en el Museo dell’Opera del Duomo. A estas obras pueden añadirse las “Tumbasde Lorenzo y Giuliano de Medici”, que se hallan en la “Capilla Medici”, en la iglesia de San Lorenzo, de Florencia.

Piedad florentina por Miguel Ángel.. wikipedia.

Esclavo moribundo. Louvre.

Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento (XVII). Las artes plasticas: La Pintura (III)

Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento

Las artes plásticas

La pintura

Leonardo da Vinci, 
Autorretrato hecho entre 1512 y1515. wkp

De la obra pictórica del  genial Leonardo da Vinci, considerada escasa y mal documentada, de la que en cambio abundan numerosísimos dibujos, es imprescindible hacer referencia al mural que ya en sus años de madurez realizó en el refectorio del Monasteriode Santa María delle Grazie, de Milán. Aunque llegado a nuestros días en un deficiente estado de conservación, representa la escena de “La última cena”, logrando el artista reflejar en él, un hermoso alarde de vida y fidelidad, algo que hasta entonces nadie había conseguido pintando un episodio sagrado, esta obra está considerada como la primera del Alto Renacimiento.

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Al citar a esta figura italiana, no se puede evitar hacer referencia a su obra posiblemente más famosa, “Mona Lisa”, para cuya contemplación hay que acudir al Museo del Louvre, de París. Allí el espectador, contemplando la representación que hace Leonardo del personaje, e incluso  después de hacerlo infinidad de veces, le sugiere siempre lo mismo: “misterio”. Esto es realmente lo que debió pretender el autor de la pintura, conseguir la apariencia de un ser vivo, que en cada momento, con su mirada y sonrisa motivara sensaciones completamente diferentes. A la consecución de este efecto, contribuyó de manera muy importante, la aplicación por parte del excepcional artista, de la técnica conocida como del “sfumato”. La misma, inventada por él, la utilizó por primera vez en la pintura al óleo, y consiste en dar a los objetos contornos vagos, difuminados, borrosos, con los que se obtienen efectos atmosféricos y vaporosos, así como de vaguedad y lejanía, algo que se evidencia en la pintura que comentamos.

Bautismo de Jesús.
 Óleo sobre madera de Verrochio (1470–1480).
Leonardo trabajó de manera particular
en los ángeles del lado izquierdo.

Otras pinturas de Leonardo, indiscutiblemente acreedoras, al menos, a ser enumeradas son: “Adoración de los reyes”, “La Anunciación”, “El Bautismo de Cristo”, esta si bien es obra de su maestro Verrocchio, él intervino parcialmente, “Ginebra de Benci”, y “La dama de armiño”, las tres primeras se encuentran en Florencia en la Galería de los Ufizzi, y las dos siguientes, la primera en la National Gallery of Art de Washington, y la segunda en el Museo Czartoriski de Cracovia. 

Hay un cuadro suyo, también destacado, conocido como, “Virgen de las rocas”, que es objeto de controversia, pues al existir dos muy parecidos, uno en el Louvre”, y otro  en la National Gallery, se discute su auténtica autoría, inclinándose la mayoría por el de Londres como el que realmente pertenece a Leonardo, pero tampoco se ha llegado a descartar la versión que se halla en París.

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Miguel Ángel, cuya verdadera especialidad fue el cuerpo humano y su anatomía, resultó ser un artista, tanto como escultor como pintor, que superando el clasicismo llega de forma plena al manierismo, y asimismo, asimilando las teorías idealistas de Platón, las plasmaría en todas sus obras plásticas e incluso en las poéticas. Realizando el majestuoso fresco, al que ya con antelación se ha hecho mención, del techo de la Capilla Sixtina, al margen de hacer alarde de una magnífica fortaleza física, demostró una extraordinaria capacidad para encontrar siempre nuevas creaciones, al igual, que una excepcional maestría en la ejecución de cada detalle. Otro acierto que hay que atribuirle en la realización de este trabajo, fue su sabiduría para representar la grandiosidad de las visiones que reveló en tan espléndida obra, algo que sería una inevitable referencia a los que vinieron tras él.

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El papa Julio II, sobrino del papa Sixto IV, a quien se debe el nombre de la famosa Capilla Sixtina, en 1508, encargó a Miguel Ángel que completará la decoración de la misma, cubriendo la bóveda y las pechinas. Comenzando pintando un esquema o estructura arquitectónica, los espacios que va creando los ocupa con pinturas que representan imágenes realizadas bajo el ideal neoplatónico y que se corresponden con escenas del Génesis. Los lunetos los utiliza para la ejecución de pinturas que representan a los antepasados de Cristo, profetas o sibilas, y las pechinas, para hacerlo con escenas del antiguo testamento.

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En toda esta obra, se aprecia que su autor sucesivamente cambia los puntos de visión, así como la existencia de sorprendentes contrastes cromáticos, siendo el “Juicio Final”, la representación que con indiscutible acierto cierra todo el ciclo iconográfico, en el que todo el protagonismo lo tiene la figura humana. Es imposible concluir esta breve reseña, sin hacer mención especial a la pintura que allí representa la “Creación de Adán”, que contemplándola parece insinuar, que un cuerpo renuente e indolente, se anima por una supuesta descarga eléctrica que recorre su brazo.

Tondo Doni, en los Uffizi de Florencia(1504-1505).
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Otras obras de Miguel Ángel, serían magníficos “tondos”, que se tratan de adornos circulares, pintados o esculpidos rehundidos en un paramento, destacando el denominado “Doni”, realizado con colores puros y contrastados. Curiosamente como obra suprema de dibujo y pictórica suya, se señala, “La batalla de Cascina”, que proyectada como un fresco para el Palazzo Vecchio, de Florencia, nunca llegó a pintar, haciendo solamente el cartón o modelo previo que bien desapareció o fue destruido. Este trabajo es conocido por la copia que llevó a cabo Bastiano de Sangallo, así como por dos grabados parciales realizados por Marcantonio Raimondi. La actividad de Miguel Ángel como pintor, concluyó con sendos frescos realizados en 1545 y 1550, respectivamente, en la Capella Paolina, del Vaticano, que representan la “Conversión de San Pablo”, y la “Crucifixión de San Pedro”.

El Martirio de san Pedro.wikipedia

Autorretrato de Rafael,
Galería de los Uffizi,Florencia.
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Cuando se estudia a Rafael, hay que reparar y atribuir a este personaje, la importancia que tuvo, al no sentirse intimidado en el comienzo de su andadura artística, y que tampoco le invadiera el desaliento, al coincidir entonces en Florencia, con las extraordinarias figuras que representaban Leonardo y Miguel Ángel, y la ardua rivalidad que estos mantenían. Algo parecido hay que hacer, al valorar su vasta y magnífica obra, teniendo en cuenta, que este genial artista cuando murió solamente tenía treinta y siete años.

Influido por su lugar de nacimiento, Urbino, localidad italiana abierta a las novedades que surgían de las investigaciones filosóficas y artísticas, su ideal sería la belleza clásica, manteniendo asimismo un interés especial por la naturaleza, la antigüedad y los temas clásicos. En sus trabajos se aprecia junto a una impronta matemática, la importancia de la perspectiva y de las proporciones, destacando igualmente en sus obras la belleza, dulzura y elegancia de las figuras, lo mismo que la acertada disposición de estas, a lo que une, la excelente destreza que demuestra en las composiciones que lleva a cabo. 

Su obra “Madonna del Granduca”, que se encuentra en el Palacio Pitti, de Florencia, es considerada auténticamente clásica, al haber servido la misma a incontables generaciones como canon de perfección, algo similar a lo sucedido con los escultores griegos de la Antigüedad, como pudieron ser, Fidias y Praxíteles. Obra excelente de Rafael, rebosante de armonía, es el grandioso fresco titulado, “La ninfa Galatea”, que puede disfrutarse en Villa Farnesina, en Roma, y en cuya contemplación, siempre se descubrirán nuevas bellezas en su rica e intricada composición.

.El triunfo de Galatea. wikipedia. 

De su amplia y magnífica obra pueden significarse, sin menosprecio de las demás, actitud que venimos manteniendo respecto a otros artistas, “La escuela de Atenas”, y “El incendio del Borgo”, frescos que junto a otros muchos realizó, en su momento cumbre, por encargó primero, del papa Julio II, y posteriormente de León X, para decorar las estancias vaticanas hoy conocida por las de Rafael. También en el Vaticano, en su pinacoteca, se encuentra el cuadro al óleo que representa “La Transfiguración”, en esta, que fue su última obra, con una excepcional habilidad artística, consigue hacer hablar a los gestos, al no limitarse solamente a señalar con ellos a una persona, y con significados más profundos, puede constatarse, que los que actúan como “significantes”, como elementos indicadores, se funden con los a su vez “significados”.

La Escuela de Atenas. Wikipedia.

Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento (X). Las artes plasticas: Arquitectura (II)

Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento

Las artes plásticas

La arquitectura

ITALIA

Centrándonos en la arquitectura de aquella época, hay que citar y de forma destacada a, Filippo Brunelleschi, que sería el arquitecto más famoso del S. XV, así como el pionero en aplicar el principio anteriormente referido de la perspectiva en la arquitectura. Él, junto a Donato di Níccolo de Betto Bardi (Donatello), en su faceta escultórica, y Tomasso di Giovanni di Mone Cassai (Masaccio), en la pictórica, formaron la indiscutible triada del hecho cultural y del nuevo  estilo renacentista.

seccion de la cùpula de la catedral de Florencia.
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La fama de Brunelleschi está asociada, sobre todo, a la ejecución, en 1420, de la majestuosa e innovadora cúpula, coronada por una linterna octagonal, de la catedral de su ciudad natal, Florencia, trabajo que realizó sin necesidad de la elaboración de la previa y habitual cimbra. Esta pieza, de sorprendente belleza y armonía, considerada como obra maestra y alarde de virtuosismo técnico, ha sido calificada  como un logro más propio de un ingeniero que de un arquitecto, pues la cobertura del gran espacio interior, exigía cualidades y conocimientos que exceden de los que meramente son exigidos a un arquitecto.

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Otros exponentes de sus brillantes trabajos, son el “Hospitalde los Inocentes”, y la “Capilla de los Pazzi”. Ejecutados ambos en Florencia, el primero lo llevó a cabo en 1419, siendo el primer edificio renacentista de dicha ciudad, en sentido estricto, en el que destaca el Pórtico-Logia. Haciendo un uso inteligente de proporciones simples da una armonía satisfactoria a la logia siendo esto lo que la llena de significación para el futuro. Los arcos se basan en la medida del orden de las columnas, y esas magnitudes no sólo determinan la altura y la luz del propio arco, sino que se extiende en profundidad en las proporciones de los intercolumnios, rompiendo así con la tradición de su uso en las bóvedas de aristas.

Respecto al segundo, la “Capilla de los Pazzi”, se aprecia en él, como en ningún otro edificio, la sensibilidad florentina, aunque emplea arcos en semicírculo romano y columnas griegas, funde estos elementos clásicos en una composición que no recuerda a los griegos ni a los romanos. De esta forma, Brunelleschi hace gala de una sensibilidad suya muy especial, una armonía, una delicadeza, una seguridad con solidez, y a la vez, sorprendentemente, una ligereza que lo hacen único.

Leon Battista Alberti, es también, aun manteniéndose ligeramente al margen de la triada anteriormente mencionada, compuesta por Brunelleschi, Donatello y Masaccio, una figura realmente importante de la época renacentista. Nació más tarde que los citados y él fue el último en morir, estando considerado como el prototipo del hombre universal por su polifacética actividad, destacando como arquitecto y tratadista. En su obra se aprecia la realización de los ideales renacentistas: equilibrio, mesura, armonía y profunda ciencia.

Entrada de la Iglesia de
San Francisco de Rímini,
también llamado el Templo Malatestiano.
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Una de sus principales obras sería la que le encargó el “condottiero” Segismondo Malatesta, que consistió en la transformación de la “Iglesia de San Francisco”, de Rímini, de factura gótica, en el “Templo Malatestiano”. En este trabajo, adaptándose a las formas que imponía el concepto arquitectónico pero incluyendo en él también elementos de referencia a otro edificio más antiguo de Rímini, como es el arco de Augusto, que combinó libremente con elementos del arco de Constantino en Roma, consiguió establecer lo que puede ser la prueba de su continua preocupación en su trabajo: La fusión del arco triunfal clásico con la sección basilical.

Otros trabajos importantes de Alberti son la fachada de la “Iglesia Santa María Novella”, con la novedad que representaba las ménsulas invertidas, y la del “Palacio Rucellai”, ambas en Florencia. En la ciudad de Padua son dos los edificios suyos que destacan,  las iglesias de “San Sebastián”, y de “San Andrés”.

En su señalada actividad como tratadista, hay que consignar el “Tratado de pintura”, llevado a cabo en 1435, en el que expuso por primera vez las leyes de la perspectiva y las reglas para la obtención de figuras tridimensionales sobre planos bidimensionales como el papel, la tela, o los muros. Siguiendo la misma actividad, en 1452, publicó “El arte de la construcción o los diez libros de la arquitectura”, el cual basado en un tratado de Vitruvio realizado en el S. I, a d C, y en sus propios estudios y experiencias, fue el primer tratado sobre arquitectura que tuvo el Renacimiento.

Donato d’Angelo Bramante, acreedor a ser destacado como  pintor, y a la vez, a ser considerado como el mayor arquitecto del Renacimiento italiano, se significó en esta faceta por revitalizar el legado clásico. Heredero de los modos del citado Brunelleschi, añadiría al estilo de éste un renovado interés por la perspectiva que le llevó a crear singulares efectos de profundidad y espacio en sus obras. Ejemplo y auténtico símbolo de este logro, es el templete de “San Pietro inMontorio”, en Roma, que llevó a cabo por encargo de la casa real española. Este edificio de planta centralizada, configuración entonces absolutamente nueva, se convertiría en el modelo de iglesia votiva para el periodo conocido como Alto Renacimiento. Asimismo, otras destacadas obras suyas son, las iglesias, “Santa María presso San Satiro”, y “Santa María delleGrazie”, que se hallan en Milán, no debiéndose ignorar que fue también uno de los arquitectos que intervino en la construcción de la Basílica de San Pedro.

Templete de San Pietro in Montorio, obra de Bramante.

Del país transalpino es imposible omitir la gran figura del Renacimiento italiano, como es la del genial Miguel Ángel, escultor, pintor, y arquitecto. Su excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del S. XVI, concibiendo con su figura y obra, la idea respecto de él, que sea considerado como un ser singular e insólito que supera de manera amplia las convenciones ordinarias.

Al transcurrir la vida de tan extraordinario artista en las ciudades de Roma y Florencia, en ellas se hallan sus obras maestras. Estas, que sin duda, le proyectaron a la fama, y por las que al día de hoy es universalmente conocido, son las famosas esculturas de “Baco”,  la “Piedad de San Pedro”, y el “David”. En pintura, su creación más sublime sería la decoración del techo de la “Capilla Sixtina”, que llevó a cabo por encargo del Papa Julio II.

Reconstrucción de un diseño de Miguel Ángel
 sobre la fachada de la Basílica de San Lorenzo de Florencia,
por medio de una proyección luminosa, el año 2007.
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En lo que concierne a la arquitectura, y no porque no lo mereciera, al pasar de los años, no ha obtenido un gran reconocimiento, a pesar de aportar nuevos y geniales elementos. En esta faceta, debe consignarse, la realización del diseño de la fachada de la “Iglesia de San Lorenzo”, en Florencia, ciudad en la que también llevó a cabo la obra de la “Capilla delos Medici”. Esta capilla, para cuya construcción utilizó mármol y piedra serena, alberga los sepulcros que efectuó para Giuliano –Duque de Nemours-, y de Lorenzo –Duque de Urbino-. Igualmente en la capital toscana, por encargo del papa Clemente VII, se ocupó de la construcción de la “Biblioteca Laurenciana”.  

Proyecto de Miguel Ángel para
 la planta de San Pedro del Vaticano.

Ya en Roma, aparte de su participación puntual tanto en el proyecto como en la construcción, de la “Basílica de San Pedro”, es preciso señalar las obras correspondientes a la “Plaza del Capitolio”, y al “Palacio Farnesio”. Llamativas y sorprendentes, por constituir los antecedentes directos del trazado urbano del Barroco Temprano, son las últimas obras que también efectuó en la capital italiana, “La Vía”  y “La Porta Pía”.