Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento (XVII). Las artes plasticas: La Pintura (III)

Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento

Las artes plásticas

La pintura

Leonardo da Vinci, 
Autorretrato hecho entre 1512 y1515. wkp

De la obra pictórica del  genial Leonardo da Vinci, considerada escasa y mal documentada, de la que en cambio abundan numerosísimos dibujos, es imprescindible hacer referencia al mural que ya en sus años de madurez realizó en el refectorio del Monasteriode Santa María delle Grazie, de Milán. Aunque llegado a nuestros días en un deficiente estado de conservación, representa la escena de “La última cena”, logrando el artista reflejar en él, un hermoso alarde de vida y fidelidad, algo que hasta entonces nadie había conseguido pintando un episodio sagrado, esta obra está considerada como la primera del Alto Renacimiento.

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Al citar a esta figura italiana, no se puede evitar hacer referencia a su obra posiblemente más famosa, “Mona Lisa”, para cuya contemplación hay que acudir al Museo del Louvre, de París. Allí el espectador, contemplando la representación que hace Leonardo del personaje, e incluso  después de hacerlo infinidad de veces, le sugiere siempre lo mismo: “misterio”. Esto es realmente lo que debió pretender el autor de la pintura, conseguir la apariencia de un ser vivo, que en cada momento, con su mirada y sonrisa motivara sensaciones completamente diferentes. A la consecución de este efecto, contribuyó de manera muy importante, la aplicación por parte del excepcional artista, de la técnica conocida como del “sfumato”. La misma, inventada por él, la utilizó por primera vez en la pintura al óleo, y consiste en dar a los objetos contornos vagos, difuminados, borrosos, con los que se obtienen efectos atmosféricos y vaporosos, así como de vaguedad y lejanía, algo que se evidencia en la pintura que comentamos.

Bautismo de Jesús.
 Óleo sobre madera de Verrochio (1470–1480).
Leonardo trabajó de manera particular
en los ángeles del lado izquierdo.

Otras pinturas de Leonardo, indiscutiblemente acreedoras, al menos, a ser enumeradas son: “Adoración de los reyes”, “La Anunciación”, “El Bautismo de Cristo”, esta si bien es obra de su maestro Verrocchio, él intervino parcialmente, “Ginebra de Benci”, y “La dama de armiño”, las tres primeras se encuentran en Florencia en la Galería de los Ufizzi, y las dos siguientes, la primera en la National Gallery of Art de Washington, y la segunda en el Museo Czartoriski de Cracovia. 

Hay un cuadro suyo, también destacado, conocido como, “Virgen de las rocas”, que es objeto de controversia, pues al existir dos muy parecidos, uno en el Louvre”, y otro  en la National Gallery, se discute su auténtica autoría, inclinándose la mayoría por el de Londres como el que realmente pertenece a Leonardo, pero tampoco se ha llegado a descartar la versión que se halla en París.

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Miguel Ángel, cuya verdadera especialidad fue el cuerpo humano y su anatomía, resultó ser un artista, tanto como escultor como pintor, que superando el clasicismo llega de forma plena al manierismo, y asimismo, asimilando las teorías idealistas de Platón, las plasmaría en todas sus obras plásticas e incluso en las poéticas. Realizando el majestuoso fresco, al que ya con antelación se ha hecho mención, del techo de la Capilla Sixtina, al margen de hacer alarde de una magnífica fortaleza física, demostró una extraordinaria capacidad para encontrar siempre nuevas creaciones, al igual, que una excepcional maestría en la ejecución de cada detalle. Otro acierto que hay que atribuirle en la realización de este trabajo, fue su sabiduría para representar la grandiosidad de las visiones que reveló en tan espléndida obra, algo que sería una inevitable referencia a los que vinieron tras él.

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El papa Julio II, sobrino del papa Sixto IV, a quien se debe el nombre de la famosa Capilla Sixtina, en 1508, encargó a Miguel Ángel que completará la decoración de la misma, cubriendo la bóveda y las pechinas. Comenzando pintando un esquema o estructura arquitectónica, los espacios que va creando los ocupa con pinturas que representan imágenes realizadas bajo el ideal neoplatónico y que se corresponden con escenas del Génesis. Los lunetos los utiliza para la ejecución de pinturas que representan a los antepasados de Cristo, profetas o sibilas, y las pechinas, para hacerlo con escenas del antiguo testamento.

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En toda esta obra, se aprecia que su autor sucesivamente cambia los puntos de visión, así como la existencia de sorprendentes contrastes cromáticos, siendo el “Juicio Final”, la representación que con indiscutible acierto cierra todo el ciclo iconográfico, en el que todo el protagonismo lo tiene la figura humana. Es imposible concluir esta breve reseña, sin hacer mención especial a la pintura que allí representa la “Creación de Adán”, que contemplándola parece insinuar, que un cuerpo renuente e indolente, se anima por una supuesta descarga eléctrica que recorre su brazo.

Tondo Doni, en los Uffizi de Florencia(1504-1505).
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Otras obras de Miguel Ángel, serían magníficos “tondos”, que se tratan de adornos circulares, pintados o esculpidos rehundidos en un paramento, destacando el denominado “Doni”, realizado con colores puros y contrastados. Curiosamente como obra suprema de dibujo y pictórica suya, se señala, “La batalla de Cascina”, que proyectada como un fresco para el Palazzo Vecchio, de Florencia, nunca llegó a pintar, haciendo solamente el cartón o modelo previo que bien desapareció o fue destruido. Este trabajo es conocido por la copia que llevó a cabo Bastiano de Sangallo, así como por dos grabados parciales realizados por Marcantonio Raimondi. La actividad de Miguel Ángel como pintor, concluyó con sendos frescos realizados en 1545 y 1550, respectivamente, en la Capella Paolina, del Vaticano, que representan la “Conversión de San Pablo”, y la “Crucifixión de San Pedro”.

El Martirio de san Pedro.wikipedia

Autorretrato de Rafael,
Galería de los Uffizi,Florencia.
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Cuando se estudia a Rafael, hay que reparar y atribuir a este personaje, la importancia que tuvo, al no sentirse intimidado en el comienzo de su andadura artística, y que tampoco le invadiera el desaliento, al coincidir entonces en Florencia, con las extraordinarias figuras que representaban Leonardo y Miguel Ángel, y la ardua rivalidad que estos mantenían. Algo parecido hay que hacer, al valorar su vasta y magnífica obra, teniendo en cuenta, que este genial artista cuando murió solamente tenía treinta y siete años.

Influido por su lugar de nacimiento, Urbino, localidad italiana abierta a las novedades que surgían de las investigaciones filosóficas y artísticas, su ideal sería la belleza clásica, manteniendo asimismo un interés especial por la naturaleza, la antigüedad y los temas clásicos. En sus trabajos se aprecia junto a una impronta matemática, la importancia de la perspectiva y de las proporciones, destacando igualmente en sus obras la belleza, dulzura y elegancia de las figuras, lo mismo que la acertada disposición de estas, a lo que une, la excelente destreza que demuestra en las composiciones que lleva a cabo. 

Su obra “Madonna del Granduca”, que se encuentra en el Palacio Pitti, de Florencia, es considerada auténticamente clásica, al haber servido la misma a incontables generaciones como canon de perfección, algo similar a lo sucedido con los escultores griegos de la Antigüedad, como pudieron ser, Fidias y Praxíteles. Obra excelente de Rafael, rebosante de armonía, es el grandioso fresco titulado, “La ninfa Galatea”, que puede disfrutarse en Villa Farnesina, en Roma, y en cuya contemplación, siempre se descubrirán nuevas bellezas en su rica e intricada composición.

.El triunfo de Galatea. wikipedia. 

De su amplia y magnífica obra pueden significarse, sin menosprecio de las demás, actitud que venimos manteniendo respecto a otros artistas, “La escuela de Atenas”, y “El incendio del Borgo”, frescos que junto a otros muchos realizó, en su momento cumbre, por encargó primero, del papa Julio II, y posteriormente de León X, para decorar las estancias vaticanas hoy conocida por las de Rafael. También en el Vaticano, en su pinacoteca, se encuentra el cuadro al óleo que representa “La Transfiguración”, en esta, que fue su última obra, con una excepcional habilidad artística, consigue hacer hablar a los gestos, al no limitarse solamente a señalar con ellos a una persona, y con significados más profundos, puede constatarse, que los que actúan como “significantes”, como elementos indicadores, se funden con los a su vez “significados”.

La Escuela de Atenas. Wikipedia.

Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento (IX). Las artes plasticas: Arquitectura (I)

Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento

Las artes plásticas

La arquitectura

Dentro de las artes fue en la arquitectura donde fue más notable el resurgir de lo antiguo, al lograr actualizar los viejos y antiguos estilos, concibiéndose las obras, desde su proyecto, bajo un aspecto absolutamente antropométrico, al tener siempre presente las medidas del ser humano. Esto condujo a que se tendiera, a partir de entonces, a calificar al imperante estilo gótico, de indisciplinado y carente de armonía. En las nuevas construcciones se inició la sustitución de la verticalidad del referido estilo por la horizontalidad, eliminando la decoración, y prefiriendo la pilastra a la columna, persiguiendo a la vez, dar a las edificaciones una apariencia más ligera.

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Emulando la actitud de los filósofos y pensadores, los arquitectos, al igual que el resto de los artistas, ambicionaban alcanzar objetivos innovadores que se plasmaran en la simetría, la perfección y la armonía en sus obras. Con este fin, recurrieron al estudio de las proporciones que el famoso arquitecto de la antigua Roma, Marcus Vitruvius Pollio, hizo, en el S. I. A.C. Precisamente en este trabajo, se inspiró, Leonardo da Vinci, para realizar, a finales del S. XV, a lápiz y tinta, uno de sus estudios del cuerpo humano, trabajo extraordinariamente famoso que sería conocido como “El hombre de Vitruvio”. En el refleja su peculiar visión del hombre como centro del Universo, tomándose como modelo a sí mismo, estudia las proporciones humanas, lo que le condujo a la conclusión de lo que sería definido como la divina proporción, considerado uno de los grandes logros en todas las artes, del Renacimiento.

En el estudio reseñado anteriormente, el cuadrado, usado en toda la arquitectura clásica, simboliza la Tierra, y el círculo, el Cielo, y lo que comenzó a denominarse la divina proporción, se asimiló a la interpretación teórica que se derivaba de lo que era conocido como numero áureo. Este, resulta ser un número algebraico inconmensurable, que posee muchas propiedades interesantes, descubierto en la antigüedad no como unidad sino como relación o proporción. Su hallazgo se  atribuye a Pitágoras, que pensó que había hallado una expresión matemática del “principio de analogía”.

Olvidado desde que el matemático griego, Euclides, lo incluyó, 300-265 a.d.C, en sus famosos “Estudios formales de los elementos”, definiéndolo con la siguiente frase: “se dice que una línea recta está dividida en el extremo y su proporcional cuando la línea entera es al segmento mayor como el mayor es al menor”, no volvió a despertar interés, tan mágico número, hasta el Renacimiento.

Luca Pacioli demostrando uno
de los teoremas de
 Euclides (Jacopo de'Barbari, 1495).
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El matemático, Fray Luca Paciolli, (1445-1510), fue el que le dio el nombre de la divina proporción, y el astrónomo y matemático, Johannes Kepler, (1571-1630), lo consideró como uno de los tesoros de la Geometría, estableciendo la relación anteriormente consignada para rectángulos y triángulos. Remitiéndose al matemático de comienzos del S. XIII, Leonardo da Pisa, conocido después como Fibonacci, encuentra en las propiedades matemáticas halladas en distintos números, por el citado matemático, conocidos por ello, como números de Fibonacci, entre otras la siguiente peculiaridad: Si vamos dividiendo entre ellos –los número de Fibonacci-, consecutivos cada vez mayores, su cociente se acerca al valor 1.618033. . . Siendo esta constante la que se denomina número de oro, número áureo o divina proporción, a la que históricamente se le han atribuido propiedades estéticas.

Finalmente, Da Vinci, como ya se ha señalado, representó gráficamente el número áureo demostrando las proporciones del cuerpo humano, siendo después a lo largo de los años, aplicado el referido número a la Arquitectura, las Bellas Artes, la Naturaleza, y hasta a la vida cotidiana.

Similar importancia al hallazgo anteriormente señalado, y de una inconmensurable repercusión en las diferentes artes, fue el descubrimiento y consiguiente interpretación de la perspectiva. La misma, resultó ser el fantástico sistema que permitía representar sobre una superficie plana de dos dimensiones, el efecto volumétrico de los objetos, en un ambiente de fingida profundidad, distinguiéndose la perspectiva lineal y área. La primera es aquella que atiende, para su formación, a las líneas que convergen en un punto de fuga, y la segunda, es la que tiene por objetivo perfeccionar la perspectiva lineal, representando la atmósfera que envuelve a los objetos, esfumando las líneas convergentes, eliminando los límites de forma y color, dando una impresión muy real de la distancia. Claro ejemplo de ello, puede contrastarse al contemplar obras como “La última cena”, de Leonardo da Vinci, o “Las Meninas”, de Velázquez. 

El puzzle de la Historia. Del Renacimiento a la Ilustración. Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento (III). La Medicina

Aspectos, hechos y personajes del Renacimiento
La Medicina

La Medicina experimentó un extraordinario progreso a lo que contribuyó el notable incremento del conocimiento anatómico, repercutiendo de manera extraordinaria en la cirugía y en la anatomía patológica. Trascendental puede considerarse a este respecto, la figura de Leonardo da Vinci, cuyos estudios e investigaciones anatómicos, quedando reflejados tanto en dibujos como en bocetos, resultaron ser excepcionalmente orientativos. El belga, Andrea Vesalio, considerado el mejor anatomista de todos los tiempos, médico de Carlos V y más tarde de su hijo Felipe II, con la disección de cadáveres de criminales, consiguió rectificar muchos errores de Galeno, que únicamente disecaba animales.

Andrés Vesalio
(retrato procedente de su obraFabrica).
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El mencionado Andrea Vesalio, fue el autor de, “Dehumani corporis fabrica”, publicada en siete volúmenes en 1543, manual de anatomía utilizado por los aspirantes a médicos en los cuatro siglos siguientes. También el médico y alquimista, Paracelso, al que ya se ha hecho referencia, que escribió el tratado conocido como, “Opera Omnia”, introdujo el concepto de enfermedades metabólicas, experimentando con el uso de sustancias minerales con fines terapéuticos. Algunos años más tarde, en 1616, William Harvey, médico inglés, corrigiendo también a Galeno, logró el importante descubrimiento de la circulación mayor de la sangre, sugiriendo que esta fluía en un circuito continuo.

Miguel Servet en el Paraninfo
 de la Universidad de Zaragoza
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Gran trascendencia  tuvo igualmente en el campo de la medicina, la amplia obra del filósofo italiano Giordano Bruno, quien denunciado a la Inquisición, moriría en Roma, quemado en la hoguera. Fue el gran impulsor de la filosofía naturalista, afirmando que: “el más alto grado del conocimiento humano, es la íntima unión con la naturaleza en su sustancial unidad”. El médico y teólogo español Miguel Servet, (1511-1553), realizó asimismo una importante contribución, al descubrir el sistema de la circulación sanguínea pulmonar, que quedando olvidada en un principio, alcanzó su verdadera relevancia con los trabajos del anteriormente mencionado William Harvey.

MAS INFO: Documental sobre Miguel Servet